今秋，香港佳士得慶祝亞太區新總部遷址The Henderson一周年，隆重呈獻一系列精彩拍賣，佳士得香港將於9月26及27日隆重舉行“香港二十及二十一世紀系列拍賣”，匯聚東西方現代與當代藝術傑作，構築一場跨越時代與文化的視覺盛宴。

領銜拍品為畢卡索的油畫鉅作《女子半身像》作為領銜此次拍賣的重要拍品，也是本場中唯一過億估價拍品，已經有了第三方價格擔保，趙無極的抽象鉅作《17.3.63》，大衛·霍克尼、此外亦有草間彌生、白髮一雄、塔瑪拉·德·藍碧嘉及保羅·塞尚等大師佳作，呈現多元視角與文化交融的藝術風貌與無限靈感。

目前，亞洲市場對印象派及現代藝術精品需求強勁，藉此重要時機，以此重磅作品聯動亞洲乃至全球藏家，進一步鞏固佳士得在亞洲地區為藏家臻選頂尖藝術傑作方面的市場領導地位。

九月率先登場的是二十及二十一世紀系列拍賣，重磅呈獻畢卡索的油畫鉅作《女子半身像》作為領銜此次拍賣的重要拍品，以及霍克尼兩件令人矚目的重要拍品：《桌上言歡》(Table with Conversation)與《第十二幅“非常新”系列繪畫》(The Twelfth V.N. Paintingsth V.N. Paintings)。這兩件傑作雖分別出自不同系列，卻同樣深刻體現了霍克尼對「觀看之道」的持續探索與突破。無論是色彩運用、構圖方式，或是空間感的重塑，皆展現出藝術家對視覺語言的非凡掌控與創新精神──一場視覺饗宴。

畢卡索的油畫鉅作《女子半身像》作為領銜此次拍賣的重要拍品，這幅作品闊別拍賣市場逾25載後再度亮相，是近年來拍賣市場上尺幅最大、畫面最精湛的朵拉·瑪爾肖像之一。瑪爾是畢卡索的重要靈感來源，啟發了他許多最精彩絕倫、大膽破格的肖像作品。

《女子半身像》中，瑪爾頭戴極富個人特色的帽飾，以標誌性的深邃眼眸直視觀者。這幅作品震撼有力、情感豐沛，是藝術家為其靈感繆斯與創意夥伴朵拉·瑪爾所創作的典範肖像。

畢卡索的油畫《女子半身像》(1944年)作為其藝術生涯中最具代表性的朵拉·瑪爾肖像之一，兼具深刻的學術價值與極高的市場稀缺性。

一、學術性：藝術史座標中的戰時精神鏡像

1. 超現實主義與立體主義的融合典範  

這幅作品延續了畢卡索自1930年代以來對立體主義的突破，同時融入超現實主義的心理隱喻。瑪爾的臉龐以黑白強烈分割，右眼呈現正面視角，左眼則轉為側面，這種多維度的視覺拼貼打破了傳統肖像的空間邏輯。帽飾作為核心符號，藍黃相間的船形造型與尾部羽毛裝飾，既呼應1940年代巴黎女性在戰爭中以誇張配飾彰顯精神抵抗的社會現象，又暗合超現實主義對“物的象徵”的探索——正如巴黎畢加索美術館策展人布麗吉特·萊亞爾所言，瑪爾的帽子是“最具意義的帽子”標誌性超越文化意味。

2. 戰時情感的視覺詩學    

創作於納粹佔領巴黎的最後幾週(1944年3月)，畫面透過黑白灰主色調與鮮紅衣襟的對比，建構出壓抑與激情並存的張力。瑪爾冷峻的凝視與挺直的姿態，既是個人意志的表達，也隱喻被佔領城市的集體精神。胸前的紅色被解讀為“危險、激情與希望的三重象徵”，與背景的淺色調形成戲劇性衝突，映射出戰時巴黎人對解放的期待與恐懼交織的心理狀態。

3. 瑪爾作為繆斯的雙重身分    

朵拉‧瑪爾(1907-1997)是法國女性，出生於法國，但在阿根廷長大。 她以作為畢卡索的模特兒、並為創作中的格爾尼卡拍攝了許多照片而聞名。從1930年代開始，她為畢卡索做了近十年的模特，二人關係十分親密，以至於朵拉改信天主教之後曾說她的生活中“繼畢加索之後，僅有神”。朵拉·瑪爾本是一位超現實主義攝影師，其藝術實踐深刻影響了畢卡索。

在《女子半身像》中，畢卡索不僅延續了她在攝影作品《雙重肖像與帽子》(1936-37)中對帽飾符號的探索，更將她塑造為「現代繆斯」的典範——既保留其知識分子的獨立氣質，又透過變形手法揭示其複雜的情感內核。這種將繆斯從被動模特兒昇華為創作夥伴的處理，在畢卡索的女性肖像中極為罕見。

4. 與《格爾尼卡》的精神對話   

畢卡索在1937年創作《格爾尼卡》時，瑪爾曾以攝影記錄創作過程，兩人的合作奠定了戰時藝術的批判性基調。 《女子半身像》延續了這一脈絡，透過個別肖像折射戰爭對人性的衝擊。畫中瑪爾的凝視可視為《格爾尼卡》中受難者目光的微觀投射，兩者共同構成​​畢卡索對暴力與希望的雙重敘事。

二、市場稀少性：25年沈澱的全球藏家爭奪焦點

1. 頂級博物館館藏的市場背書    

與《女子半身像》同期創作的瑪爾肖像，如《哭泣的女人》(1937年)被長期借展，另一幅1944年作品則為加拿大國立美術館所有。這類作品的博物館級地位，不僅印證了《女子半身像》在畢卡索戰時創作中的核心位置，也使其成為私人藏家追逐的「可流通的博物館藏品」。

2. 超長市場週期與同類作品比較    

該作自1999年5月初上拍紐約，以188萬美元成交後沉寂25年，處於當時畢卡索市場尚未全面高漲的階段。此次再度亮相正值亞洲市場對現代藝術需求爆發期。從 1999年 的188萬美元到 2025年 估價11, 054 , 525 - 13 , 625 , 345美元，約 6–7 倍增長，相較同期頂級朵拉·瑪爾肖像動輒數千萬美元的價格，本作相對稀缺可入手間肖像畫上相對稀缺的家間肖像動輒

對比近年畢卡索瑪爾肖像的拍賣記錄：2022年香港《朵拉·瑪爾》(1939年)以1.694億港元成交，創畢卡索亞洲拍賣第二高價;2017年紐約佳士得《靜坐的藍袍女子》(1942年，73×6047500萬美元，最終以 500萬美元，最終以估價000萬美元估價500美元成交。 《女子半身像》作為尺幅更大(80.8×65 cm)、保存更完好的戰時作品，其估價區間(港元8600萬-1.06億)既體現了對歷史成交數據的尊重，也預留了因稀缺性溢價的空間。

3. 亞洲藏家的策略佈置窗口    

佳士得將該作作為香港秋季拍賣的領銜拍品，精準捕捉了亞洲市場對西方現代藝術的強勁需求。根據統計，2021年亞洲藏家在佳士得全球現代藝術拍賣中的成交額佔比已達35%，而畢卡索作品在該區域的年均漲幅超過12%。此次拍賣特別強調“聯動亞洲乃至全球藏家”，反映出拍賣行對區域藏家購買力的信心。瑪爾作為畢卡索最具知識分子氣質的繆斯，其肖像在亞洲精英藏家中具有獨特的文化吸引力——既像徵對藝術史的深度介入，也暗合對獨立女性議題的當代共鳴。

4. 藝術品市場的避險屬性強化    

在2025年全球經濟不確定性加劇的背景下，頂級藝術品的避險功能凸顯。畢卡索作為市場硬通貨，其作品在經濟波動期的表現顯著優於其他資產。例如，2020.5.4日疫情期間，畢卡索《朵拉與小貓》(1941年)在紐約以9521.6萬美元成交，較2013年上拍時增值48%。 《女子半身像》的稀缺性與歷史價值，使其成為機構藏家與高淨值個人資產配置的理想標的。

《女子半身像》的學術性源自於其對立體主義的突破、戰時精神的視覺轉化，以及瑪爾作為藝術家-繆斯的雙重身份書寫;而市場稀缺性則體現在博物館級品質、超長市場週期與亞洲藏家的戰略需求。此次拍賣不僅是對畢卡索藝術遺產的再審視，更是全球藝術品市場向亞洲轉移的重要標誌。正如佳士得亞太區主席程壽康所言，這類作品「將以其巔峰水準吸引全球藝術藏家的熾熱關注」。對買家而言，競得此作不僅是獲得一件藝術傑作，更是參與塑造當代藝術市場的歷史進程。

 一、創作維度的稀缺本質：藝術生涯的關鍵轉捩點

1988 年是霍克尼藝術生涯的分水嶺。此前十年，他專注於攝影拼貼與裝置藝術(如《更大的全景》系列)，與舞台設計，導致油畫產量銳減。

而《桌上言歡》標誌著他重返傳統油畫領域的宣言。這一年，他在洛杉磯郡立藝術博物館(LACMA)舉辦大型回顧展，隨後創作了一批以好萊塢山工作室為背景的 “敘事抽象” 作品，《桌上言歡》即屬其中核心作品。系列僅包含約 10 幅油畫，主題聚焦室內空間與自然景觀的交融，數量遠低於其他主題作品。

媒介實驗的階段性成果

1988 年的霍克尼正探索立體主義視角與東方美學的結合。他將喬治・羅利(George Rowley)《中國繪畫原理》中的橫向構圖融入作品，使《桌上言歡》的雙連畫形式突破傳統油畫的單一視角，形成類似手捲的視覺動線。這種技法在其 1980 年代作品中極為罕見，僅在《我的房間》(My Room，1986)等少數作品中有所嘗試，進一步凸顯《桌上言歡》的稀缺性。

題材的唯一性

相較於 1970 年代以人物互動為核心的敘事性作品(如《藝術家肖像》)，《桌上言歡》以空蕩的室內場景暗示人的存在：傾斜的餐桌、空置的椅子與窗外抽象化的風景形成對話，傳遞出後現代主義的疏離感。這種 「缺席的在場」 主題在霍克尼油畫中僅出現於 1988 年前後，此後他轉向更純粹的抽象創作(如 1990 年代的《一些非常新的繪畫》系列)，使該作成為連接具象與抽象的孤例。

從藝術史維度來看，該作的稀缺性本質是不可複製的文化價值。畫面中藍色桌布的平面化處理呼應塞尚，窗外山巒暗含北宋山水畫意境，這種跨文化融合在霍克尼創作中僅此一例。正如佳士得專家指出，這類作品既是理解藝術家轉型的關鍵鑰匙，也是填補 1980 年代西方藝術史研究空白的重要標本，其稀缺性已超越單純的市場流通頻次，成為藝術史座標中的獨特存在。號

此作亦曾被選為耶魯英國藝術中心展覽《The School of London and Their Friends: The Collection of Elaine and Melvin Merians》的圖錄封面與封底。 Elaine與Melvin Merians伉儷的收藏被譽為美國最重要的英國藝術收藏之一，耶魯英國藝術中心的總監Patrick McCaughey曾評價他們的收藏僅次於倫敦泰特現代藝術館(Tate Modern)。

這類具備博物館級展覽紀錄的 1980 年代油畫，在霍克尼作品中佔比不到 15%。這件作品作為轉型期油畫的稀缺性被進一步放大 —— 霍克尼職業生涯中 83% 的拍賣成交作品為版畫，油畫作品因大多進入美術館收藏體係而流通稀少，形成 創作即稀缺 的先天屬性。號

二、市場流通的稀缺驗證：低頻次高溢價的交易軌跡

霍克尼作品的藏家群體以博物館與家族基金為主，重複上拍率極低。

時間維度上，《桌上言歡》的流通頻率遠低於市場平均。該作分別於 2007 年 6 月 20 日成交價60.24 萬英鎊和 2014 年 7 月 2 日成交價165.05 萬英鎊在佳士得倫敦上拍，兩次間隔 7 年，而 ArtPro 數據顯示7 年流通間隔已屬市場少見。更值得注意的是，2014 年拍賣後該作被歐洲私人藏家長期持有 11 年，直至 2025 年首次登陸亞洲市場，這種長期鎖定狀態進一步加劇了市場供給短缺。

在空間維度上，亞洲市場的供給空白放大了其稀缺性。 2020-2024 年間，霍克尼作品在亞洲的成交額佔比從 19% 升至 34%，但 1980 年代敘事抽象油畫此前從未在亞洲公開拍賣。這種地域供給失衡與需求成長形成鮮明對比 —— 亞洲藏家對西方現代藝術的需求年增 12%，而《桌上言歡》作為首件進入亞洲市場的同類型作品，填補了區域收藏體系的關鍵空白。號

價格表現上，該作呈現顯著的稀缺性溢價。 2014 年成交價較 2007 年成長 174%，遠超同期霍克尼油畫的平均漲幅，且第二次拍賣以高於低估價 2.7 倍成交，印證市場對其轉型期價值的認可。這種溢價能力源自於同類作品的稀缺 ——2007-2025 年間，全球僅《桌上言歡》一件 1980 年代敘事抽象油畫公開上拍。

在 2025 年 藍籌為王 的市場環境下，《桌上言歡》的稀缺價值被進一步放大。霍克尼曾位列全球在世藝術家拍賣成交額前三名，2025 年巴黎路易威登基金會的大型回顧展更強化了市場對其作品的認知。 《桌上言歡》作為兼具博物館展覽記錄與明確傳承的作品，正屬於這類核心資產，這也使其成為建構霍克尼收藏體系的不可替代標的。號

無論是跳動的視覺引導，還是抽象的色彩節奏，霍克尼的作品都在提醒我們：觀看不是單一凝視，而是一場持續的旅程。

一、藝術史定位

「非常新」 系列是霍克尼對立體主義與表現主義的集大成實驗。 《第十二幅》中旋轉的有機形態既延續畢加索式多視角探索，又融入藝術家自創的 “透視視覺理論”，成為理解其 1990 年代創作轉型的關鍵標本。

系列作品曾於 1993 年在紐約 André Emmerich 畫廊完整展出，並被納入 2017-2018 年倫敦泰特不列顛、巴黎蓬皮杜中心與紐約大都會博物館巡迴回顧展，學術背書強化了其文化稀缺性。

1、系列創作脈絡「非常新」 系列創作於 1992-1993 年間，共 26 幅，是霍克尼從 1980 年代敘事具象藝術轉型為抽象語言的核心實驗。創作同期，霍克尼剛完成倫敦考文特花園歌劇《無影之女》舞台設計，將戲劇化空間處理與加州馬里布海景靈感融合，提出 “內部景觀” 創作理念 —— 透過交織的色彩與流動形態構建主觀化空間體驗。

2.創作維度的稀缺性

根據 ArtPro 數據，霍克尼一生創作中油畫佔比不足 17%，而 「非常新」 系列作為其集中探索抽象語言的系列，26 幅的總量在其全球​​存世作品中佔比不足 0.05%。

「非常新」 系列主要使用大尺幅油畫與壓克力顏料，有時輔以炭筆或粉彩的底稿。顏料的處理方式更偏向於厚實直接的平塗，而非傳統的層層罩染。筆觸寬闊，常用大畫筆，強調形體邊緣的輪廓感。空間表現採用多重透視 / 非線性透視：桌子、人物、家具可能從不同角度被並置在同一畫面。色彩與光線主要為高飽和色彩，常見亮粉、翠綠、深紫、亮黃對比。光源非自然主義，而是舞台投光式的人工化光。

《第十二幅》作為系列中段作品，承載了從早期探索到成熟表達的過渡意義。其構圖中橙黃與靛藍的交織既呼應馬里布日落海景，又暗含舞台設計的戲劇性張力，在系列中具有技法與理念的代表性。

二、市場流通軌跡與稀缺性驗證

1、流通頻次與規模

截至 2025 年 9 月，「非常新」 系列 26 幅作品中，公開拍賣記錄共 6 幅(含重複上拍作品)，佔總量的 23%，且部分作品存在重複上拍現象(如《第五幅》《第二十一幅》)，反映出藏家長期持有與階段性流通的特徵。比較霍克尼油畫作品 18 年的平均持有週期，「非常新」 系列的流通頻率仍處於市場低位，凸顯供給端稀缺性。

2、價格成長軌跡

系列溢價特徵：2024 年《第二十六幅》成交價較 2007 年同類作品增長 127%，遠超同期霍克尼油畫 42% 的平均漲幅(ArtPro 數據)，顯示系列稀缺性帶來的超額收益。

3.地域稀缺性

2020-2024 年間，霍克尼作品在亞洲市場成交額佔比從 19% 升至 34%，但抽象題材作品此前從未在亞洲公開拍賣。 《第十二幅》的香港首拍填補了區域市場空白，與亞洲藏家對西方抽象藝術需求增長形成供需錯配。

《午後光影下吉維尼的春天》：莫內系列創作的開山鉅獻

克勞德莫內(Claude Monet)作於1885年的《午後光影下吉維尼的春天》(Printemps à Giverny, effet d'après-midi)即將矚目亮相9月26日香港二十一世紀藝術晚間拍賣。此作不僅是藝術家筆下吉維尼春日的動人頌歌，更是一件標誌著現代藝術進程關鍵轉折的里程碑之作，其深厚的學術價值、極致的市場稀缺性與顯赫的收藏傳承，共同奠定了其本季明星拍品的卓越地位。

一、 學術定位：承前啟後的方法論革命

這件作品的學術核心價值，在於它是莫內藝術創作方法論發生根本轉變的物證與起點。 1883年，莫內遷居吉維尼，於此找到了其藝術的永恆支點。兩年後創作的此幅《午後光影下吉維尼的春天》，見證了他從單一風景寫生走向「系列化創作」(Series Painting)的革命性實踐。

莫內為此一果園景緻創作了兩個版本：一幅捕捉晨曦朦朧柔和的氛圍，另一幅即是本作，淋漓盡致地展現了午後明媚傾瀉的光輝。正如曾隨莫奈同遊的記者喬治·讓尼奧(Georges Jeanniot)所述，藝術家開始“同時在兩三幅畫布上作畫”，隨光線流轉交替工作。

這種將同一主題置於時間變數中進行系統性比對研究的方法，不再是傳統意義上的瞬間印象捕捉，而是對「光與時間」這一印象派核心命題的深度探索與科學實驗。它直接奠定了其後《乾草堆》《魯昂大教堂》​​乃至《睡蓮》等偉大系列的創作邏輯，標誌著莫奈從一個“印象的捕捉者”轉變為一個“光色的研究者”，其影響更深遠啟發了塞尚、梵高等人，重塑了現代藝術的觀察方式。

二、 市場趨勢：博物館級的稀少良機

在藝術市場中，莫內始終穩居印象派及現代藝術板塊的頂級藍籌之列，其作品的需求與價值歷經時間考驗而愈發堅挺。

吉維尼早期(1883-1887)風景作為藝術家風格成熟與轉型的關鍵之作，歷來是全球重要博物館競相收藏的核心目標。根據統計，此時期的作品絕大部分已被奧賽博物館、大都會藝術博物館、波士頓美術館等世界級機構永久典藏，市場流通者鳳毛麟角。

過去三十年間，公開拍賣中出現的1885—1886年吉維尼風景作品僅有個位數紀錄。這次上拍的《午後光影下吉維尼的春天》，不僅是近十年來亞洲拍場出現的首幅莫奈吉維尼關鍵期作品，其「系列化」起點的特殊身份，更使其稀缺程度達到博物館級別，為全球頂級藏家提供了一個千載難逢的購藏機遇。

三、 收藏意義：百年傳承的顯赫源流

頂級大師傑作的價值，不僅在於其藝術與學術高度，更在於其清晰、顯赫且流傳有序的收藏來源(Provenance)。

作品首先由印象派最重要的推手、莫內的終身畫商保羅·杜蘭德-魯埃爾(Paul Durand-Ruel)於1885年9月直接購藏自藝術家本人。隔年，它便亮相於杜蘭德-魯埃爾在紐約國家設計學院舉辦的里程碑式展覽——這場展覽是印象派藝術登陸美國並開啟其全球影響力的關鍵事件。此後，它成為美國最早期的頂尖印象派藏家之一歐文·戴維斯(Erwin Davis)的珍藏，直至1899年。1913年，畫商將其賣給新奧爾良糖業大亨亨特·亨德森(Hunt Henderson)家族，在此後的百餘年間，此作一直由該家族悉心珍藏，從未現身市場。

如此跨越三個世紀、歷經僅三次易手的權威傳承，不僅保證了作品的真確性與保存狀態，更為其賦予了豐厚的歷史底蘊與收藏故事。它映照了印象派從法國先鋒藝術運動走向全球公認的藝術經典的整個過程，其本身就是一部濃縮的收藏史。如今首次亮相亞洲市場，勢必引發尋求「學術、稀缺與來源」三重保障的全球頂級藏家的激烈競逐。預計該作將在9月26日香港二十及二十一世紀晚間拍賣會中成為核心焦點，承載學術與市場雙重價值，為藏家提供獨一無二的機會。

趙無極在1960年代初開始於國際藝術界嶄露頭角，此作曾於1965年德國埃森福克旺美術館(Museum Folkwang)舉行的藝術家首次回顧展中展出，具有明確學術展出記錄。作品採用經典的中軸式構圖，以富於速度感和力量感的書法性筆觸貫穿畫面，體現出中國草書藝術的動態美感和西方抽象表現主義的色彩張力。

此外，趙無極於該時期遷入巴黎設有玻璃天窗的工作室，自然光線的引入直接影響其創作中對光影關係的敏銳把握與表現，本作即為該階段藝術語言成熟之印證。

從市場稀缺性來看，趙無極在1960年代以鮮紅色調創作、尺幅相當或更大之作僅存19幅，其中8幅迄今未現身拍場，《17.3.63》即為其中之一。該類作品大多已被重要美術館或機構收藏，流通於私人收藏領域的數量極為有限。因此，本作不僅在藝術家同一色調及時期的創作中屬於稀例，其出現在拍賣市場更屬難得，具備顯著的稀缺性特徵。

就收藏意義而言，《17.3.63》作為趙無極藝術高峰期的代表作，融匯東西方美學理念，兼具中國傳統書法的筆意精神與西方現代繪畫的色彩表現力，標誌著其在國際抽象藝術運動中的重大貢獻。該作品曾參與多個重要展覽，並受到諸如佳士得亞洲高層的高度認可，被視為「博物館級」的鉅作。趙無極的作品持續受到全球重要文化機構的推崇，如2024年中國美術學院的回顧展及香港M+博物館的版畫展覽，均顯示出其藝術影響力的延續與學術價值的鞏固。收藏此作不僅是對趙無極個人藝術成就的見證，也是對二十世紀東方現代主義藝術發展脈絡的重要掌握。

罕見的大尺幅南瓜主題作品《南瓜 [TWAQN]》

草間彌生具有亞洲當代藝術標竿人物的全球影響力，她是全球博物館展覽與收藏體系中最具號召力的在世藝術家之一，其作品需求跨越代際與地域，尤其在亞洲市場擁有堅實而廣闊的收藏基礎。

草間彌生(Yayoi Kusama)作於2015年的《南瓜 [TWAQN]》是她藝術語彙中最具辨識度與精神意義的經典主題。這件尺寸。

南瓜對草間而言，不僅是家鄉記憶的溫暖載體，更是一種超越現實的、具有靈魂的存在。它以其圓潤飽滿的形態和深邃的黑色波點，在鮮黃色背景上建構出一個既迷幻又寧靜的視覺宇宙，完美體現了藝術家所追求的「自我消融」與「永恆無限」的精神境界。

如此大尺幅、創作於其藝術生涯完全成熟期的博物館級油畫作品，在私人收藏領域依然極為稀有。此作的估價(HKD 22.000.000 - 32.000.000)契合其市場能階，反映了其對資深藏家與機構藏家的強大吸引力。

本作的收藏價值因其無可挑剔的展覽與出版記錄而倍增。它曾作為重要展覽亮相2017年新加坡國家美術館與昆士蘭美術館的大型巡迴回顧展“草間彌生：Life is the Heart of a Rainbow”，並出版於同名權威圖錄。如此重要的機構展覽歷史，大大提升了作品的學術公信力和市場價值。其來源清晰純粹，最初由藝術家的重要代理畫廊——新加坡大田秀則畫廊釋出，並由現任藏家珍藏至今。

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作者：谢慕