展覽前言

過去，人們習慣將媒材區分為繪畫、雕塑、攝影、錄影帶等固定類別，並以此書寫風格與形式的演變。自20世紀下半葉以來，這一框架不斷遭遇瓦解，藝術創作所調動的媒介與物質不再服務於某種特定媒介的純粹性，而是直接指向一個更根本的命題：媒介如何構造感知與經驗。隨著科技的發展，媒介已不僅是藝術表達的載體、材料或工具，它本身構成了我們面對世界存在方式的經驗過程。

然而，今天媒介所塑造的感知正被延展至更廣闊的維度。我們習慣用自己的尺度測量世界：眼睛看得見的才算存在，耳朵聽得到的才算聲音，手摸得著的才算真實。

然而，世界的大部分運作在這套尺度之外——岩石用數百萬年時間刻錄下一次地殼的褶皺，菌絲在地下編織比互聯網更古老的網絡，演算法在毫秒間做出我們永遠看不見的決策。當媒材不再只是傳遞訊息的管道，而是產生感知的場域時，它正好為我們提供了重新審視這套人類尺度的可能。

正如哲學家格拉漢姆·哈曼（Graham Harman）指出，物本身俱有我們無法觸及的一面，“物自體”（thing-in-itself）永遠處於退離（withdrawal）狀態。我們無法直接接觸物，卻可以擁有一種“無接觸的接觸”，這正是藝術的位置：藝術家不是沉默之物的全權代言人，而是感知的記錄者。他們敏感地停留於物的退隱與顯現之間的邊界上，透過媒介轉換與美感過程，建構出一種超越日常經驗的「接觸」方式。本次展覽的12位/組藝術家，正是在這個邊界上工作——他們不試圖「代表」非人類世界，而是製造一個讓觀眾與那些退離的物產生「無接觸之接觸」的劇場。

本次展覽分為三個篇章，

分別指向三種需要我們重新浸入的感知維度：時間形態（感知非人類的時間尺度）、他者言語（感知非人類的表達）、數位痕跡（感知演算法與資料的物質痕跡）。

作為清華大學藝術博物館媒體藝術系列展的最新呈現，我們邀請觀眾參與一場感知的練習：暫時放下以人類為中心的感官尺度，去感知岩層如何記憶、真菌如何溝通、演算法如何決策。展覽透過來自9個國家12位/組藝術家不同媒材的作品，聚焦於我們如何感知那些非人類或超越人類尺度的生命、物質與過程。

在這裡，藝術家不提供答案，而是創造那些讓觀眾意識到「自己的感知能力或許不夠用」的時刻，他們展現給我們的不是確定的結果，而是讓我們在精微之處觸摸到一絲「裂痕」。在這裡，你將成為一個開放的感知者──去感知那些原本被人類的感官所忽略或無法觸及的世界。

第一單元·時間形態

Chapter One: Forms of Time

人類短暫的生命感知不到岩石的風化、冰川的移動、菌絲的生長。

這個單元的藝術家用藝術創作的手段把這些自然中存在的非人類時間轉換成人類可以感知的頻率，捕捉那些不被察覺的痕跡，讓觀眾親眼目睹那些我們以為靜止的事物，其實一直在運動、一直在發生。藝術使不可見的成為可感，讓感知超越現實世界的局限，每一種媒介都界定著觀看與感知的範圍，定義著另一種時間的維度。

本單元的藝術家像是時間的翻譯者。

半導體組合（Semiconductor）的《璀璨噪聲》(Brilliant Noise)把太陽天文學的數據「翻譯」成人耳可聽、人眼可見的白噪聲之雨，讓那顆恆星的能量爆發不再只是科學家屏幕上的曲線。朱迪絲·羅德（Judith Röder）的《投影VII（北京）》(Projection VII (Beijing))用光線在玻璃板中製造出流動的有機結構，那些從銀金色到深藍色的廣袤色譜，邀請觀眾進入一種冥想般的時間體驗。陳蕭伊的《山的手相》將橫斷山脈中因採礦業而延展的道路與破碎山體比作“鑿刻於山的手相”，地質時間與人類時間在此重疊。

藝人：陳蕭伊、半導體組合（Semiconductor）（英國）、朱迪斯·羅德（Judith Röder）（德國）、瑪卓林·戴克曼（Marjolijn Dijkman）（荷蘭）

《山的手相》Palmistry of The Mountain

陳蕭伊

UV印刷鋁板

50cm×22cm×51

2021

《無情世界》

Beyond Sattva

陳蕭伊

黑白單螢幕錄影（Super 8 底片與數位）

25分26秒

聲音：白水

2025

陳蕭伊出生於中國四川，於2014年獲得倫敦藝術大學純藝術攝影碩士學位，目前工作生活於成都。她的作品融合了多種媒材與形式，常生發於對自然與生命形式的感知與反思，致力於探索宇宙圖景與深層時間（Deep Time）在當下的物質性顯現。近年來，她聚焦於中國西南橫斷山脈的歷史痕跡，關注如何以人類的在場為起點，以超越人類時空尺度的視角，尋找與重建不同存在方式的交匯，從而感應那些被折疊的、不可見的生態記憶與知識體系。

Chen Xiaoyi was born in Sichuan, China, and received her MA in Photography from the University of the Arts London in 2014, and currently lives and works in Chengdu. Her practice integrates multiple medium and forms, ofnions of from dicion perion 集 n. exploring how。 scales. She seeks to find and reconstruct the intersection of different modes of existence, thereby sensing the folded, invisible ecological memories and knowledge systems.

《璀璨噪音》

Brilliant Noise

半導體藝術小組

高清多通道影像

9分40秒

2006

二十餘年來，英國藝術家雙人組魯思·賈曼（Ruth Jarman）與喬·格哈特（Joe Gerhardt），即半導體藝術小組（Semiconductor），持續探索科學與技術交匯之處的人類經驗。他們極富創新性的作品引導我們直面周圍自然世界中那看似不可把握的短暫易逝，將科學數據轉化為引人入勝的雕塑、動態影像與繪畫，激發我們拓展對現實的感知，並反思我們作為觀察者的角色。

半導體藝術小組以嚴謹的研究著稱，其每件作品均採用不同的技術路徑，常耗時數月駐留於世界各地的科學實驗室，研究那些用於理解自然世界的儀器設備，包括：日內瓦歐洲核子研究中心（CERN，2015年）；加州大學柏克萊分校NASA太空科學實驗室（2005年）；史密森尼國家自然史博物館礦物科學實驗室（2010年）；格拉斯哥大學極限光實驗室（2023年）；以及加拉巴哥群島查爾斯·達爾文研究站（2010年）。他們的作品曾在國際各地展出，包括威尼斯雙年展、泰特現代美術館、紐約現代藝術博物館（MoMA）和赫希洪博物館及雕塑園。

For over 25 years, UK artist duo Ruth Jarman and Joe Gerhardt, aka Semiconductor, have explored the human experience at the intersection between science and technology. Their innovative works confront us with the seeming unknowable eme formly ​​返卷 ​​Ooo​​eming lat​​om worlds ​​片面 worldat 幅值captivating sculpture, moving image and drawings that encourage us to expand our perceptions of reality and question our role as observers.

Known for their meticulous research, Semiconductor utilises a different technological approach with each piece, often spending months in science laboratories around the world studying the devices used to make sense of the。 Laboratory, UC Berkeley, California (2005); Mineral Sciences Laboratory, Smithsonian National Museum of Natural History (2010); Extreme Light Laboratory, 大學Tate Modern, The Museum of Modern Art (MoMA) in New York, and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.

《投影VII（北京）》

Projection VII (Beijing)

朱迪絲·羅德

幻燈機、玻璃片

900×200×120cm

2021-2026

朱迪絲·羅德是一位出生於德國、現居柏林的藝術家。她的藝術實踐涵蓋雕塑、裝置與空間介入，特別關注玻璃的感知特質與物質屬性。她研究光、透明度和反射如何塑造我們對空間與物體的體驗。羅德的創作經常重新利用廢棄的工業與建築材料，將日常生活的碎片轉化為富有沉思性的視覺經驗。她的作品在歐洲和亞洲廣泛展出，並被多家博物館、畫廊及公共機構收藏。

Judith Röder is a German-born artist based in Berlin. Her artistic practice spans sculpture, installations, and spatial interventions, with a particular focus on the perceptual and material qualities of glass。 objects. Röder’s work often repurposes discarded industrial and architectural materials, transforming fragments of everyday life into contemplative visual experiences. She has exhibited widely a Europe and

《放電深度》

Depth of Discharge

瑪卓林‧戴克曼

有聲單聲道影像

27分40秒

2021

瑪卓林‧戴克曼1978年生於荷蘭，現居比利時布魯塞爾。她畢業於阿姆斯特丹的格爾里特·里特費爾德藝術學院（2001年），鹿特丹的皮特·祖特藝術碩士學院（2003年），並於2006年至2007年在馬斯特里赫特的揚·凡·艾克藝術學院擔任研究員。自2009年起，她擔任斯海爾托亨博斯的AKV/St.Joost藝術碩士學院的導師。

她的創作實踐包含兩個面向：與特定脈絡或興趣相關的國際持續計畫和作品開發，以及「Enough Room for Space」等藝術實踐計畫。她的實踐源自於廣泛的興趣領域，作品媒介多樣，常藉鑒文化與科學中的元素，並常將不同的時間維度與地理空間交織其中。這些作品可被視為一種科幻形式──部分基於事實與研究，但常被帶入虛構、抽象與推測的領域。

「Enough Room for Space」（ERforS）自2005年起發起實驗性研究計畫與展覽。 ERforS力求最大限度地自由行動，始終將脈絡與理念置於媒介之上，挑戰藝術、科學或激進主義等不同學科之間的界限。

Marjolijn Dijkman was born in the Netherlands, she lives and works in Brussels, Belgium. She graduated from the Gerrit Rietveld Academie in Amsterdam (2001) and the Piet Zwart Institute in Rotterdam (2003), and was a researcher at the Piet Zwart Institute .揚Since 2009, she has been a tutor at the Master Institute of Visual Cultures, AKV/St. Joost, in Hertogenbosch.

Her artistic practice comprises two strands: ongoing international projects and the development of works related to particular contexts or interests, as well as artistic initiatives such as Enough？ on elements from culture and science, interweaving different temporalities and geographical spaces. Her works may be understood as a form of science fiction—partly rooted in fact and research, yet often extending into the realabactioniction, speculation and specul the real

Since 2005, Enough Room for Space (ERforS) has initiated experimental research projects and exhibitions. Striving to operate with the greatest possible freedom, ERforS consistently places context and ideas before medium, medic, medat​​hion, sundah medium, sunda, medium, sundaen, medulium, culumin medium, cultures , medium, culture, medulium, culwnah medhium, meden, sundai, medicium, medden, 粗略, ”） activism.

第二單元·他者言語

Chapter Two: Whisper of the Other

動物、植物、真菌、細菌——它們不用人類的語言，但它們一直在透過氣味、振動、化學訊號、電脈衝「低語」。這個單元的藝術家不會把這些「低語」翻譯成人類的詞彙，而是保留它們的陌生感，同時讓你隱約感到：它們確實在傳遞某種訊息。

正如拉圖（Bruno Latour）所言，非人類行動者不是沉默的客體，而是具有能動性的存在——它們在“說話”，只是不用人類的語言。

第二單元的藝術家更接近「傾聽者」——他們傾聽那些人類語言之外的表達。龍盼的《葉子》焚燒富含重金屬的植物製成草木灰釉料，那些絢麗的釉色結晶，實則是工業排放、礦物流動與生態污染的痕跡——美麗，卻記錄著物質的暴力記憶。 Wang & Söderström的《生命之輪》（Wh331 0f 1!f3）將電腦病毒的變異與複製過程，比喻為數位生命形態在「生命之輪」中穿行，以求證得數位涅槃——讓不可見的程式碼感染變得可感。費亦寧的《「裊裊」系列》以陶片逐幀刻畫鴉類哀悼同類的瞬間與東方白鸛的起飛姿態——窯火的不可控性讓「陶片動畫」的質地類比於菲林的顆粒感，將非人類的情感與復育場景凝固為一種古舊的動態影像。埃米莉亞·斯卡爾努萊特（Emilija Škarnulytė）的《水感》(Æqualia)以9分鐘的影像穿行於亞馬遜盆地翻湧的水域，一隻後人類嵌合體生物——粉色河豚與美人魚的結合體——在兩個水系的交匯處游弋，模糊了人類、非人類與超凡存在之間的界限。

藝術家：Wang&Söderström（瑞典）、費亦寧、埃米莉亞·斯卡爾努萊特（Emilija Škarnulytė）（立陶宛）、龍盼

《生命之輪》

Wh331 0f 1!f3

Wang & Söderström

混合媒材裝置

等離子切割鋼架、3D動畫、雲杉木原木、單板電腦、LCD螢幕（多種長度）

金屬架：150×150cm 原木：105×25×25cm

2022

Wang & Söderström是個常駐丹麥哥本哈根的藝術家組合。他們的合作實踐涵蓋混合媒介裝置、數位動畫和雕塑介入，探索數位文化、生物系統與精神像徵的交匯地帶。透過整合客製化電子設備、3D動畫和現成的天然材料，他們的作品研究數位生命體如何映照、變異並挑戰我們對存在、感染與超越的理解。 Wang & Söderström的作品曾在歐洲和亞洲的國際範圍展出。

Wang & Söderström is an artist duo based in Copenhagen, Denmark. Their collaborative practice spans mixed-media installation, digital animation, and sculptural intervention, exploring the intersections of digiion pulture, pintor the pem. custom-built electronics, 3D animation, and found natural materials, their works investigate how digital lifeforms mirror, mutate, and challenge our understanding of existence, contamination, and transcendence.

《裊裊：悲聲》

Wisping: A Lament

費亦寧

釉面陶，線，不銹鋼

196×27×1cm×3

2026

費亦寧，1990年出生，現工作、居住於上海。她本科畢業於復旦大學新聞學院，後來就讀於紐約帕森設計學院並獲得藝術碩士學位。她在實踐中運用影像、裝置、雕塑等媒介，探索自然敘事的神話力量及其塑造多重行星敘事的可能性。她的計畫通常從生態學、生物學及相關領域的研究出發，將虛構與真實的材料拼貼在一起，形成另類歷史與推想未來，以呈現自然、神話和技術之間盤互交錯的狀態。

Fei Yining lives and works in Shanghai. She received her BA from the School of Journalism at Fudan University, and later completed an MFA at Parsons School of Design in New York. Fei's practice moves across moving image, scpopture, and opsulation Shemture, and opsulers moving image, scpopture, and opsulation Shemture most the de logl movingimage, scpopture, and opsulation Shef movingimage the de 片語 to logpture, and opsulation moving image, scpopture, and opsulation Shef movingimage the de 片 movingimage, to scpopture, and opsulation movingimage the deinstape movingimage, scpopture, and opsulation Shef movingimage the de most, pvel most. mythic force of nature narratives and their capacity to generate multiple planetary stories. Her projects often begin with research in ecology, biology, and related fields, where she treats scientific narratives as a material thatcan ​​mbe that the ormbe leh. fabricated, she assembles alternative histories and speculative futures that hold nature, myth, and technological infrastructure in a tense, interlaced state. Her works fuse inquiry and imagination to test how uncertainty iftis narrated, infession cem.

《水感》

Æqualia (2023)

埃米莉亞·斯卡爾努萊特

有聲單聲道影像, 9分鐘

由紐約運河計畫（Canal Projects）和光州雙年展委託製作

2023

埃米莉亞·斯卡爾努萊特是一位出生於立陶宛的藝術家和電影製作人。她的創作遊走於紀實與虛構之間，涵蓋電影、裝置、雕塑、繪畫以及沉浸式時間媒介，探索人類、生態與宇宙之間的交織纏繞。她的作品棲居於深層時間之中，跨越地質紀元、海底建築和後人類未來，以審視人類與非人類的歷史。在她的影片中，觀眾常常會遇到極端或難以抵達的環境：廢棄的核電站、深海資料中心、被遺忘的水下城市、無盡的沙漠景觀以及離奇的自然現象。藝術家以一種未來考古學家的視角，暗示那些我們想像為科幻或幻想的圖景，其實早已存在於我們自己的星球之上。透過將詩意的與分析的視覺語言結合，斯卡爾努萊特探討權力基礎設施——生態與神話——如何延伸至海洋深淵、宇宙物質與記憶等不可見且不可知的地帶。

Emilija Škarnulytė is a Lithuanian-born artist and filmmaker. Working between documentary and imaginary realms, Škarnulytė makes films, installations, sculptures, drawings, and immersive time-hu installations, culptures, drawings, and immersive time-ghuman orem. the cosmic. Her work inhabits deep time, spanning geological epochs, submarine architectures, and post-anthropocentric futures to examine human and non-human histories. In her videos, viewers often encounter exter enormered insrs s​​養s, enorm.com s​​ded enorents 顏色 enal-wm-ad​​alk照 . deep-sea data storage, abandoned and forgotten underwater cities, endless desert landscapes, and uncanny natural phenomena. Inhabiting a future archaeologist’sperspective, the artist suggests that the worlds we iine to 硬口 fal read 到 worlds 集 fine 到 fal read or 集 fire own planet. By combining poetic and analytic visual languages, Škarnulytė examines how infrastructures of power—ecological and mythological—extend into unseen and unknowable territories of oceanic abyss, oceanic abyss.

《葉子》

Leaves

龍盼

陶瓷製品，黏土，草木灰

8cm×3cm×5cm×20

（2022-ongoing）

龍盼，於2019年在中國美術學院取得碩士學位。她的藝術實踐深度植根於跨學科研究、田野工作與實驗室合作。她的核心研究圍繞著生物修復和生物政治學問題展開，致力於透過非人生物的視角，解讀當代工業社會下人類生存與環境之間更深層的、常被忽視的關係，探索和呈現人類所處的整個生命網絡的「秘密對應」。在其創作中，生物媒介不僅是材料，更成為重新解讀人類世困境的敘事主體。她運用「植物冶金學」「真菌降解」等生物技術，將環境中看不見的異化現象具象化。

Long Pan is an artist based in China, whose recent work is often situated in the Southwest and Northwest regions of the country. Her artistic practice is deeply rooted in interdisciplinary research, 菲爾德interpret the deeper, often overlooked relationships between human existence and the environment in contemporary industrial society through the perspective of non-human beings. She explores and presents the "hidden corresden orumin of the cire 片段"hion 高超 集. creations, biological media are not merely materials but become narrative subjects for reinterpreting the dilemmas of the Anthropocene. She employs biotechnologies such as "phytomining" and "mycoretionalible to materials asal.

第三單元·數位痕跡

Chapter Three: Digital Traces

科技不是中立的工具──它有自己的邏輯、自己的時間感、自己的「慾望」。這個單元的藝術家不去讚美或批判技術，而是讓觀眾親自感知：演算法如何做出人類無法理解的決策，數據如何擁有自己的生命，螢幕背後的那隻「看不見的手」究竟在如何塑造它。

在程式碼與演算法的時代，藝術尋找那些生命與意義的湧現，那些無法計算的裂隙。

第三單元的藝術家是「媒材的解剖學家」。馬克李（Marc Lee）的《迷失自我－來自深海的聲音》(Losing Oneself–Voices from the Deep Sea)建構了一個思辨性情境：深海生物演化出接入人工智慧模型的能力，從海洋深處觀察並解讀人類－參觀者與這個合成展開即時、多語言的集群，觀察者與被觀察者、人類與非人類之間的邊界開始模糊。邱宇的《LUCA-不可計算的銘刻》以12個繼電器模擬執行40億年的運算總量（恰與人腦一天的算力相當），在咔噠作響的無盡延綿中追問：也許生命可以被銘刻，卻無法被真正計算。迪倫·馬什（Dillon Marsh）的《物有所值》（For What It's Worth）以南非銅礦為對象，用算法演算出的球體精確代表每座礦山開採出的銅礦總重量——將工業開採的“收益”與“犧牲”，可視化為一顆顆懸浮的球體。雅各布·庫茨克·斯廷森（Jakob Kudsk Steensen）的《季節性湖泊》(The Ephemeral Lake)在此單元中亦構成呼應－其實時模擬的虛擬生態，既是「慢動作」的自然，也是演算法生成的另一種自然。

藝人：馬克李（Marc Lee）（瑞士）、雅各庫茨克斯廷森（Jakob Kudsk Steensen）（丹麥）、邱宇、迪倫馬許（Dillon Marsh）（南非）

《迷失自我－來自深海的聲音》

Losing Oneself – Voices from the Deep Sea

馬克李

互動式網路裝置

2026

馬克李是一位瑞士藝術家，專注於即時處理、電腦程式設計的視聽裝置、AR、VR和行動應用程式。他的作品批判性地反映了創意、文化、社會、生態、政治和未來預測等面向。他的作品曾在包括卡爾斯魯厄媒體藝術中心（ZKM）、紐約新博物館、首爾國立現代美術館（MMCA）、光州和巴黎的國際電子藝術節（ISEA）、柏林的Transmediale藝術節和林茨的Ars Electronica藝術節在內的主要博物館和新媒體藝術展覽中展出，並獲得了許多重要獎項，包括：斯圖加特網路文化擴展媒體獎（2024）、巴塞爾Pax藝術獎（2021）、漢堡網路藝術獎（2008）和Transmediale獎（2002）。他還在包括位於中國美術學院、莫斯科Strelka學院、上海視覺藝術學院、首爾國立現代美術館（MMCA）和蘇黎世藝術大學（ZHdK）在內的眾多學校教授和舉辦藝術和軟體藝術的講座和工作坊。

Marc Lee is a Swiss artist. He focuses on real-time processed, computer- programmed audiovisual installations, AR, VR and mobile apps. He critically reflects on creative, media art exhibitions including ZKM Karlsruhe, New Museum New York, MMCA Seoul, ISEA Gwangju and Paris, Transmediale Berlin, Ars Electronica Linz and has received major awards including: the Expanded Media Award for Network Culture St. Award Hamburg (2008) and the Transmediale Award (2002). He has lecturing, teaching and holding workshops about art and software art in many schools including the CAA Hangzhou, Strelka Moscow, SIVA Shanghai, SIVA

《季節性湖泊》雅各布·庫茨克·斯廷森

The Ephemeral Lake

即時模擬與生成式聲音，尺寸可變。

由漢堡美術館委託創作。

2024

雅各·庫茨克·斯廷森是一位丹麥裔藝術家，工作在生態學、數位媒體與沉浸式敘事的交叉領域。他的實踐結合田野調查、3D掃描、遊戲引擎技術與生成式聲音，創作探索被忽視的生態系統與地質深層時間的即時模擬作品。史汀森的作品重新想像那些受氣候變遷、資源開採和人類幹預影響的地貌，邀請觀眾進入一個自然與合成邊界消融的思辨性環境。他的作品曾在威尼斯雙年展、奧胡斯藝術博物館和東京當代藝術博物館等國際機構展出。

Jakob Kudsk Steensen is a Danish-born artist working at the intersection of ecology, digital media, and immersive storytelling. His practice combines fieldwork, 3D scanning, game engine technology, and generative system to acreate and the lodate and lowate and logenerative and lowate and lowate and lostd geological deep time. Steensen’s works reimagine landscapes shaped by climate change, extraction, and human intervention, inviting viewers into speculative environments where the boundaries between the natural and the syntheion insolutions. Biennale, ARoS Aarhus Kunstmuseum, and the Museum of Contemporary Art Tokyo.

《LUCA-不可計算的銘刻》

LUCA: The Uncomputable Inscription

邱宇

混合媒體裝置

火山岩、繼電器、銅線、控制電路、鋁合金管等

110×110×230cm

2026

邱宇畢業於中央美術學院，藝術與科技方向博士。從事藝術與科技的創作和研究，他在創作中使用聲音、影像、裝置、生物等混合媒介結合科技手段探索科技媒介所蘊含的內在邏輯和語言關係，以及混合媒介影響下的生命感知。作品參與北京媒體藝術雙年展，成都雙年展、B3雙年展，武漢雙年展、濟南雙年展、新疆雙年展、金雞湖雙年展，安仁雙年展，亞洲數位藝術展、「動為行」中國媒體藝術35年，「生長」國際生物藝術展等國內外展覽。

Qiu Yu, Ph.D. in Art & Technology, Central Academy of Fine Arts (CAFA), Qiu Yu's creative research in technology-based art operates at the intersection of experimental media systems and expanded cognition. Through the deployment of experimental media systems and expanded cognition。 interfaces — his practice interrogates the ontological syntax embedded within technological substrates while probing emergent modes of biological cognition shaped by transmedial interactivity. His works have benna Biennale, Jinan Biennale, Xinjiang Biennale, Jinji Lake Biennale, Anren Biennale, 35 Years of Chinese Media Art, Asia Digital Art Festival, Bio Art Exhibition, and other domestic and international exhibitions.

《物超所值》

For What It's Worth

迪倫馬什

數位列印

100×125cm×5

2016

迪倫·馬什是一位常駐開普敦的南非視覺藝術家。他的實踐結合攝影、數位建模與檔案研究，檢視人類與自然世界的關係，特別是在資源開採和環境變遷的脈絡下。馬許的作品將量化數據轉化為具有視覺衝擊力的形式，使工業活動中往往隱而不見的規模及其持久後果變得可見。他的計畫曾在國際各地展出，包括伊齊科南非國家美術館和巴馬科非洲攝影雙年展。

Dillon Marsh is a South African visual artist based in Cape Town. His practice combines photography, digital 3D modeling, and archival research to examine humanity's relationship with the natural world, particularly in the contextation extractional. quantitative data into compelling visual forms, making visible the often-hidden scales of industrial activity and their enduring consequences. His projects have been exhibited internationally, including at the IzPhotosfrican at the IzPhotos wamacan​​話

另一種感知：

時間形態、他者言語、數位痕跡

展覽時間

2026年7月28日至2027年1月3日

展覽地點

清華大學藝術博物館三層展廳

總 策 劃

魯曉波

藝術總監

鄧岩

策 展 人

邢丹 孫藝瑋

學術統籌

方曉風

展覽統籌

王晨雅

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