集美·阿爾勒國際攝影季於2023年12月15日在廈門的集美區盛大開幕。這是該攝影季的第九屆，已成為中國和全球攝影界的一大盛事。在這裡，城市的人文風格和影像的藝術魅力相互映襯，建構了一座連結中西方文化的橋樑。

集美·阿爾勒攝影季的主要展館設在廈門的一座標誌性建築—集美藝術館（位於集美誠毅國際商務中心北側裙樓的2至4樓）。此外，廈門市集美術館、三影堂廈門攝影藝術中心，以及廈門和福州的一些美術館和藝術院校同期舉辦相關的展覽。攝影季將持續到2024年1月21日。

本屆集美·阿爾勒國際攝影季匯集了來自德國、波蘭、義大利、法國、新加坡等20多個國家和地區的30位策展人、100多位藝術家的2100多件作品，展現了攝影的多樣性和創造力。展覽分為“年度阿爾勒”、“集美·阿爾勒發現獎”、“影像策展人獎”、“亞洲影匯”、“中國律動”、“在地行動”和“集美·阿爾勒攝影書展”等七個單元等。

本屆攝影季致力於推廣中國的攝影藝術，發掘新興的攝影力量。由三影堂和「首席發現官」小紅書攝影聯合發起的2023集美·阿爾勒發現獎，從眾多參賽者中選出了8位華人攝影師，為他們提供了展示個人風格和觀點的機會。其中，最終的大獎得主將獲得小紅書提供的獎金，並受邀在下一屆法國阿爾勒攝影節上舉辦個展，向世界展現華人的影像藝術。

「亞洲影匯」單元展覽由集美‧阿爾勒藝委會成員、新加坡策展人李‧錦麗策劃，主題為《_ _群島·重遊仙境》，展示了來自菲律賓、馬來西亞、新加坡等東南亞國家的藝術家的250件作品，反映了他們對自身文化和身份的探索和表達。 「亞洲影匯」單元展覽旨在關注亞洲各國的攝影發展和特色，以往已經涵蓋了泰國、日本、印度、韓國等國家。

此外，2023集美·阿爾勒國際攝影季也推出了“群島計劃”，探索攝影與城市文化旅遊的更深層次的聯繫，以“藝術並不孤單”為主題，將城市的多個文化、藝術和生活空間串聯起來，邀請觀眾以攝影季為契機，開啟一次城市藝術之旅。透過將藝術融入城市空間，其多樣性的探索為攝影帶來了無限的可能性。

阿爾勒國際攝影節始於1970年，是由三位傑出的人士共同發起的：攝影藝術家呂西安·克萊格，文學家米歇爾·圖尼埃，和歷史學者讓-毛里斯·魯蓋特。其攝影節每年舉辦一次，是世界上最大、最古老、最具影響力的攝影盛會，享有國際攝影圈的「奧斯卡」之美譽。

這次，阿爾勒國際攝影節在廈門落地已經走過了9個年頭，使廈門這座有著文藝氣息的城市，有了國際性的文藝視野，也讓本土年輕聲音在這裡獲得機會，站在國際攝影的舞台上大放異彩。

《我朋友們的寶麗來》是維姆·文德斯是集美·阿爾勒攝影季「年度阿爾勒」展覽計畫之一。為約翰·藍儂舉行的粉絲守夜祈禱，與安妮·萊博維茨的公路旅行，丹尼斯·霍普的肖像……德國知名導演維姆·文德斯在拍攝經典電影的同時，也拍下了成千上萬的寶麗來照片。

展覽現場

《我朋友們的寶麗來》展示了維姆·文德斯的攝影才華，這是集美·阿爾勒攝影季「年度阿爾勒」展覽的一部分。他用寶麗來相機記錄了他的生活和工作，包括為約翰·列儂的逝世而祈禱的粉絲們，與安妮·萊博維茨一起的公路之旅，以及丹尼斯·霍普等明星的面孔…這位德國著名的導演在創作了許多經典電影的同時，也留下了無數的寶麗來影像。

維姆文德斯（Wim Wenders），1945年8月14日出生於德國杜塞爾多夫，是一位多才多藝的導演、編劇、製作人。 1970年，他的處女作《城市之夏》問世。維姆文德斯憑藉他的獨特風格和魅力，贏得了世界各地的影迷和評委的讚譽，多次在坎城、柏林、威尼斯等國際頂級電影節上獲獎，與法斯賓德、施隆多夫和赫爾措格一起被譽為“德國新電影四傑”，是20世紀70年代“新德國電影運動(New German Cinema)”的重要代表之一。

在他的電影中，流浪和疏離是永恆的主題，他利用這兩個元素，在銀幕上構建了一個既有詩意又有空靈感的世界，深深打動了評論家和觀眾，並在國際影壇上佔有重要的地位。除了電影，文德斯的愛好和工作也涵蓋了攝影、繪畫、音樂、寫作、出版等多個領域，其中攝影尤其令人矚目，他的攝影成就不亞於他的導演聲譽。從1986年開始，他的攝影作品在世界各地的知名博物館，如法國巴黎的蓬皮杜藝術中心、西班牙的畢爾巴鄂古根漢美術館等，舉辦了多場不同主題的展覽，並入選了威尼斯雙年展，成為了一位具有世界影響力的攝影藝術家。

《姊妹情誼－北歐當代攝影群展》是以女性藝術攝影為主題的創作計畫之一。 《姐妹情誼》展示了幾代北歐國家的攝影師的作品。她們用紀實攝影和觀念攝影的方式，展現了北歐福利國家的社會政治現狀。展覽從多元女性主義的視角出發，探索了這個主題，讓來自不同背景和身份的藝術家們有機會發聲。 「交叉性」這個概念指的是不同的社會族群（包括性別、種族、性取向、階級）如何相互影響和重疊，從而形成交叉的社會身份，而這些社會身份既能給人帶來力量，又可能造成壓迫。

展覽現場

「福利國家是女性最好的朋友」是女性主義的口號，而這種社會經濟體系通常被稱為「北歐模式」。這模式的顯著特徵是開放、包容和人人平等的共同價值。福利國家透過為所有公民提供日托、醫療保健、教育和社會保障等服務，目的是保證公民享有高品質的生活並減少國內的貧富差異。

在展覽中，攝影與這種社會民主模式之間的關係，成為影響北歐地區從 1980 年代至今多元而豐富的攝影作品的重要因素。展覽涵蓋了來自丹麥、芬蘭、冰島、挪威和瑞典的攝影師。它既聚焦於福利國家這個社會模型，又對其進行了一些批判。它運用攝影來探討福利國家中個人、集體和政治之間的互動。家庭生活、性別角色、勞動、種族和殖民主義是《姐妹情誼》展覽討論的一系列主題。同時它也揭示了一些陰暗面，例如社會排斥和導致全球生態危機加劇的持續經濟成長。

「聖葉」是由藝術家馬切卡·阿特發起並在墨西哥科斯塔奇卡地區實施的三年藝術計劃，其成果以藝術書《聖葉》（Hoja Santa [Holy Leaf]）的形式呈現，並榮獲2022年法國阿爾勒攝影節樣書獎。該書的同名展覽在2023年法國阿爾勒攝影節的「地理視閾」（Géographies du regard）板塊展出，並在今年的集美·阿爾勒國際攝影季上進行巡迴展示。

《聖葉》中的作品讓人如臨其境，感官被充分激發。不僅是視覺上的震撼，觀眾似乎能夠嗅到環境中植物散發的清香、動物運動留下的氣息、以及人類日常生活中的肥皂香、汗水味和食物的香氣，感覺到炎熱的空氣貼著皮膚、河水淹沒小腿、水草和石頭刮腳底。藝術家運用圖像、拼貼繪畫、影像等多種媒材進行通感的創作，透過觸動觀眾微妙的神經建構起人們對另一個世界的想像。這些圖像所傳達的故事和主題，與其視覺效果一樣，層次豐富，涉及後殖民、種族、泛神論世界觀和女性主義等多個議題的交錯融合，而這些都源自於當地的現實。

展覽現場

「聖葉」就像一條線索，引導觀眾去探索隱藏在地域貧困和療癒「魔法」、父權制的束縛和女性的反抗、後殖民的影響和墨西哥的種族政策這些複雜的層面背後的不可見的力量，最終會發現，對於異地和異者的探索最終都將回到我們自己的生命經驗本身。

《世界觀》單元，是展現了外星生命跟隨金唱片的引導，抵達地球，來會見這裡的居民。而本單元的主旨，是當人類的聲音，進入外來文明，會帶來怎樣的真相。同時，本年度法國阿爾勒攝影節「發現獎」單元由坦維·米甚拉策展的《加勒比海之夢》也是本次展覽的一大亮點。 《珍奇屋檔案》則向我們傳達了在博物館中，新的觀看方式的探討。卡利亞用鏡頭記錄了她在印度各地參觀的美術館和博物館的所見所聞，她不僅整理了大量的照片，還抓拍了觀眾在留言冊上寫下的各種反饋，她的作品引發了人們對後殖民時代的機構和製度的關注和思考，讓我們重新檢視它們是如何塑造我們對藝術、藝術品和思想的理解和評價的。

在「亞洲影匯」單元，主要聚焦亞洲國家的攝影新視野。展出了泰國、新加坡、日本、印度、韓國等地的攝影作品，全面的展現了不同國家、不同地理之間多個主題的攝影面貌。

《世界觀》展覽現場

集美·阿爾勒國際攝影季致力於展現中國本土化影像的發展成果與特色。攝影作為一種西方引進的藝術形式，在西方已經形成了成熟的藝術生態系統，而中國本土化影像的興起，則展示了中國在國際視野中的獨特視角和表達方式。

中國攝影展從1996年開始陸續登陸歐洲，但直到21世紀初，才真正引起了國際學術界的重視，一群中國先鋒藝術家也開始活躍在國外的前沿影像展和藝術展上。觀念攝影逐漸走向商業化和娛樂化，進入了市場和拍賣場，吸引了資本的目光和介入，在國際市場上嶄露頭角。同時，在中國，影像收藏雖然起步較晚，但在近幾年內迅速成為了收藏愛好者的新熱點。

集美·阿爾勒國際攝影季不僅是一個展示世界攝影佳作的大型展覽平台，它更是一個具有學術性和專業性的舞台，透過獎項評選，挖掘中國當代攝影的新星。今年的集美·阿爾勒發現獎展出了四位策展人提名的八位藝術家的作品。其中，由策展人傅爾得提名的藝術家拉黑的作品「寺背」榮獲了集美·阿爾勒發現獎。拉黑將作為中國攝影界的新銳代表，受邀參加法國阿爾勒攝影節的國際展覽。

拉黑出生於贛南山區寺背村，父親為他取名為羅福平。 13歲時，改名羅鑫，並用這個名字在上海完成學業，進入工作，最後定居杭州。在過去的幾年，拉黑不斷以攝影的方式探討羅鑫與羅福平兩種城鄉身分的關係。 2018年，拉黑回到寺背，在羅福平玩耍的地方，拍攝赤腳身穿西服的羅鑫，羅福平的記憶逐漸甦醒。羅福平、羅鑫、拉黑三個不同身份，開始站在了一起，從故鄉到城市，記憶的遷移與成長構成了烏托邦的影像故事。

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故鄉，這是拉黑15年來最關注的創作主題。自從2007年離開寺背，他就一直處於故鄉和城市之間的遊牧狀態，他時而回到寺背，時而又離開。他以寺背為背景，從多個角度切入，探討了土地、身份、遷徙和變革等話題，創作了《走失》《走回故鄉》《羅福平》等系列作品，形成了一個「故鄉三部曲」的創作計劃。

在這個快速變遷的時代，拉黑的創作選擇了回歸故土，他用純粹的攝影語言，深入地挖掘了個體在故鄉和城市、記憶和身份之間的複雜關係。他的作品不僅反映了他個人的經歷，也將家鄉提升為一個更廣泛的概念，一個象徵著土地本身的符號。

拉黑的《寺背》，是反映在地性文化的影像作品。他從十多年來拍攝寺背村的影像資料中，梳理出一條線索，以家族、族群的生存狀態，以鄉村的環境和習俗活動，展現出土地、山川、人民與命運的緊密聯繫。

劉廣隸屬於1990年，是湖南冷水江市的人。他在法國國立當代藝術研究中心Le Fresnoy完成學業，目前在巴黎生活和工作。他的創作靈感來自於歷史或事件的多重解讀，他在不同的媒介，如裝置、錄像、紀錄片和繪畫中，展現出他對這些解讀的獨特視角，他暗示我們，我們對現實的認知是受到資訊媒介的形式、既定的語言和社會規則的影響和限制的。

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劉廣隸運用口述的證詞、檔案的影像和3D的虛擬影像等各種素材，挖掘出個人和家族的遺忘和散失的記憶和歷史，以此重塑地方的記憶和歷史的空間。劉廣隸的作品從質疑人類中心主義的角度出發，探討了在古典繪畫、娛樂影像製作、AI圖像生成等不同的人類圖像製作中隱藏的政治性，以及貫穿圖像製作中的「想像」與「相信」這永恆的話題。在AI風靡的當下，他在藉助這個新的製圖工具的同時，反思它在圖像生成過程中的角色，他所展現出的思考的深度和維度令人讚嘆。

他關注「圖像製作」和新媒體技術，藝術實踐涵蓋繪畫、影像藝術、3D動畫和虛擬實境等領域。他的作品經常嘗試探索數位媒介如何影響我們的當代敘事和集體記憶的重塑，以及在跨文化的情境中，由翻譯行為所產生的拓樸空間中新的關係的創造的可能性。

藝術家劉廣隸的展覽《退入地下世界》，在兩部電影《如何將大海一分為二》與《如何想像不可想像之物》中提出：人為製造的奇蹟（例如摩西分海或加密貨幣）與集體幻覺（例如螢幕上的恐龍）並無本質的差別，觀眾常常被置於無法用常識解釋的、無法思考的模糊地帶：這個超自然的對像看起來是如此真實且有證據支持（考古的證據或他人的證詞），但又是不太可能的，它究竟是真的存在，還是在做夢？

重慶江津人吳雨航，1994年生，皮膚病纏身，創作《不完整的》以此為題。多年來，他的母親根據自己的經驗，寫下了一張土方，帶著全家人一起上山採藥，煮出藥湯給他泡澡。這個土方雖然沒有醫生的指點，卻讓他的病情有了明顯的改善。這張土方也成了他回鄉的“藥引子”，他多次重返故土，尋找那些草藥，一邊走一邊感受著自己的疾病和疼痛在森林中的脆弱與張力。

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他的作品是用這些草藥煮出的湯水來製作的，他把自己和父母在採藥時拍的照片放進藥湯裡，讓它們沐浴在藥氣中，把自己治療疾病時的身體感受傳遞給照片的「圖像肉身」。彩色負片的乳膠層在藥湯的作用下，褪色、脫落，甚至腐爛，留下了不完整的影像。每次他觸摸這些照片，他都會進入一種冥想的狀態，那些殘缺的圖像不再是他的傷口和疤痕，而是一種充滿治癒力量的靈性，讓他在不完整的圖像裡找到了自己與家鄉、家庭的「癒合」。

作為參展藝術家之一，張蘭坡帶領我們一步步進入他的洞穴——在虛無的深處，他創造了雕塑的細節、岩石、模型、骨灰、屍體標本、血管神經、病理切片等隱藏或令人畏懼的事物，將它們塑造成各種歷史遺忘的符號。這些符號的誕生也逐漸揭開了幽暗的面紗，因此，張蘭坡試圖逐漸驅散「終極恐懼」——讓光線穿透黑暗的畫面，形成一種他稱之為「內發光」的視覺效果。

展覽現場

他的作品透過不斷接近死亡的拍攝，來達到重塑生命景象的目的。在比「生」更廣闊的「永生」世界中，他重新檢視人性深層的兩難抉擇──那牽涉到功與過、罪與罰、人性與神性、認知與判斷、掩飾與昭彰的歷史衝突。正是這些衝突激發了他持續的思考與探索。

張蘭坡的作品是攝影的白骨之觀，他在驚悚與哥德式的美之間遊走。如果攝影是對現實世界的再現，那麼張蘭坡透過攝影與繪畫結合的作品則更像是一幅幅直擊生命終點的死亡圖景，徘徊於真實與虛幻之間。當生與死這一永恆的命題，在張蘭坡的作品中以真實的生命標本作為符號構成出畫面時，觀看者能夠直觀地感受其死亡與新生的輪迴之想。

《客夜》是餘力為的個人攝影展，由海傑策劃，參與了第九屆集美-阿爾勒國際攝影季的「無界影像」展覽。餘力為的作品分為三個部分，第一部分是他長期迷戀的香港觀塘區一座跨越馬路的天橋的影像；第二部分是他運用自己的電影美學拍攝的人與空間的融合照片；第三部分是他從電影中截取的一些經典畫面和其中夾雜的歷史記憶，以GIF的形式呈現出無盡的重複與回環。

餘力為的作品以空間為主導，許多空間都是在時間的維度上展開的，是空間決定時間，也是空間推動敘事，特別是在夜晚的場景，旅館、樓梯、浴室、燈光昏暗的天橋等廣闊的空間裡，人物多以孤獨的形態出現，不是有目的的前進，而是茫然的徘徊。他關注夜幕下的社會影像和亡靈的形象，既是悼念，也是對一種亡靈社會學的質疑與探索。

展覽現場

對於那些被作者排列的靜態影像，餘力為都給予了精彩的命名，比如客夜故人、漫惡、燈娥、兇兆、甚至是和庫伯力克電影一樣叫做“閃靈”，這些影像作品的命名，似乎暗示著旅行與死亡，充滿了恐懼與不安，疲倦和迷茫，成為一種現實的懸浮狀態。

餘力為的影像藝術作品充滿了電影的氛圍，穿梭在感官派小說和紀實報道、低級趣味和當代視角之間，隱藏著一種隨時爆發的敘事暗示。

身為本屆攝影季的參展藝術家，樂子毅榮獲了2023年度徠卡奧斯卡·巴納克攝影獎新人獎。他的攝影計畫源自於他在微博上發布的「異鄉生活」主題，吸引了許多與他有著相同經歷的人報名參與。他發現，這些經過精心安排的照片，反映了他們內心的困惑、孤獨和空洞。於是，他創作了《此時，彼時》這組感人的肖像作品，呈現了一代人在尋求個人成長和社會認同的過程中的心路歷程。

樂子毅說：「我從小就缺乏與家人的親密交流，總是獨來獨往，感覺自己沒有方向。作為一名攝影師，我想要了解那些和我處於同樣心境的迷茫的年輕人，他們分散在各個城市，我想要捕捉他們的面容和生活，同時也是在探尋我自己的疑惑。”

無問西東－清華大學美術學院攝影教育作品展作為本次攝影季的重要組成部分，由集美·阿爾勒國際攝影季「中國律動」單元與清華大學美術學院資訊藝術設計系攝影專業聯合策劃，展現了中國攝影教育的發展歷程。展覽以「無問西東」為題，寓意著清華大學美術學院攝影教育在傳承清華校訓精神的同時，不斷探索攝影藝術的新可能。展覽分為「文獻與表現」、「虛構與實驗」兩個部分，分別展示了清華大學美術學院攝影教育在理論與實踐、傳統與創新方面的成果，回顧了清華大學美術學院攝影教育在過去30年中的歷史軌跡。

集美·阿爾勒國際攝影季自2015年首次舉辦以來，一直致力於以開放和多元的視角，引入國際優秀的影像作品，挖掘華人影像的創造力，推動當代影像藝術的發展，讓更多的公眾能夠欣賞高水準的影像作品。

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