阿卡迪亞之夢

策展人：托馬斯·斯托弗

藝術家：瑪麗亞·巴萊亞、維多利亞·坎頓、安納·科恩、納塔利婭·岡薩雷斯·馬丁、霍滕西婭·米·卡夫欽、迭戈·科利、阿林娜·科佩恰、普雷斯拉夫·科斯托夫、塔米娜·內格瑪特、莉迪亞·佩蒂特、盧克·席爾瓦、奧利維亞·史特林、許陽

2024年4月14日—5月19日

新展預覽及開幕對談

4月14日 星期日 18:30—21:00

SPURS Gallery，北京市朝陽區酒仙橋路2號798藝術區D-06

馬刺畫廊欣然宣布將於2024年4月14日推出群展“阿卡迪亞之夢”。展覽由托馬斯·斯托弗策劃，將在Gallery I & II雙層展廳空間呈現瑪麗亞·巴萊亞、維多利亞·坎頓、安納·科恩、納塔利婭·岡薩雷斯·馬丁、霍滕西婭·米·卡夫欽、迭戈·科利、阿林娜·科佩恰、普雷斯拉夫·科斯托夫、塔米娜·內格瑪特、莉迪亞·佩蒂特、盧克·席爾瓦、奧莉薇亞史特林、許陽共13位藝術家的作品。

阿卡迪亞之夢

文/托馬斯·斯托弗

「阿卡迪亞之夢」這個群展標題，取自明星經濟學家、作家傑瑞米·里夫金的著作《歐洲夢》。

「歐洲夢」可以有多種解讀方式，而我們希望將這裡的「歐洲」定位為一方理想化的、令人憧憬的美好世界，換言之一處阿卡迪亞。幾個世紀以來，歐洲一直是旅行家、作家、音樂家和藝術家嚮往的地方，是靈感和詩意之源。但是，這種我們透過小說和遊記得到的浪漫化的、夢幻般的歐洲印象，和現實世界中危機四伏、正在走向失序的「舊大陸」形成鮮明對比。

在當前歐洲風雲變幻的社會、經濟背景下，這次展覽呈現一系列傑出的藝術作品，涵蓋從肖像畫到風景畫的多種形式，彼此間展開對話。所有參展藝術家都生活和工作於歐洲，其中許多人具有移民背景。

展覽將持續展至2024年5月19日。

關於策展人

托馬斯·斯托弗，圖片由托馬斯·斯托弗提供

托馬斯·斯托弗是知名藝術私洽和顧問機構瑞士格斯藝術收藏的創始合夥人，自十幾歲起便開始他的私人藝術收藏。憑藉其對20和21世紀藝術品市場行情的準確判斷和遍布全球的人脈網絡，斯托弗成為業內廣受尊重的一級專家，尤其擅長從非公開的私人收藏中搜尋藝術精品。身為頂級藝術顧問，他經常在Artnet，Artnews和彭博等知名媒體上就藝術市場發表評論。

托馬斯·斯托弗擁有經濟學和人力資源管理學士學位，以及藝術與文化管理的研究生學位。他為瑞士各大銀行及家族辦公室提供專業藝術收藏及投資諮詢服務，並自2021年起擔任瑞士藝術品交易協會主席。

關於藝術家

瑪麗亞·巴萊亞（1990年出生），現居住及工作於羅馬尼亞克盧日-納波卡。巴萊亞的創作涉及繪畫、物品製作、拼貼和裝置等不同媒介，她的實踐是一種基於神話信仰、記憶和內心想像的細膩觀察過程的延伸。她著迷於混亂的日常生活中支離的生活節奏，她的風景畫和作品誕生於在潛意識中的探索。在藉用女性超現實主義傳統及其煉金術式象徵主義風格的同時，她的作品也讓人聯想到數位美學中流動的表面和變化的組合。

維多利亞·坎頓（1969年出生），現居住及工作於英國倫敦。從希臘羅馬戲劇詩、義大利文藝復興繪畫、歐洲中世紀插畫手抄本和西方古典音樂等多樣化的源頭汲取靈感，探索人的處境和社會認同是坎頓作品的核心。她的實踐涉及不同媒介，表達她對慾望、時間、失去至愛的痛苦、在與不在、語言等的思考，劃定或挑戰我們與自己和他人的關係中的心理界限。

安納·科恩（1997年出生於特拉維夫），現居住及工作於德國柏林。科恩戲劇性、半抽象的靜物和自畫像探索自我形象、慾望、焦慮等主題在我們數位化、內容氾濫的時代是如何被塑造和扭曲的。科恩自己佈置並拍攝作為參考的模特，留意美與腐敗之間的微妙平衡，為作品注入一種模棱兩可的心理狀態。他將草稿導入一系列軟體中，讓程式不斷複製、擦除、拆解並重新拼合圖像，直到它們失去了連貫性，吸收了數位領域中過度消費和共享使內容變得抽象的方式。透過對演算法的過度使用，科恩操縱了數位內容的操縱力量，並在這個過程中製造了多個原始圖像的或碎片化或半抽象的衍生版本。他用繪畫性、拼貼式的技法將意象呈現在畫布上，傳達介於記憶和肢解之間的概念。

納塔利婭·岡薩雷斯·馬丁（1995年出生於西班牙馬德里），現居住及工作於英國倫敦。岡薩雷斯·馬丁的作品借鑒了聖像畫的形式特徵，探索了一種文化遺產對一個人的身體和心靈打下的烙印。她描繪的人物大多置身於田園風景中，周圍是精美的絲綢、熟透了的水果、爬動的小蟲等等。這些繁複的細節充滿了歷史象徵意義，提醒觀者註意自己繼承的傳統、行為和習慣。她的作品融合古老寓言中的角色和我們每天不斷接觸到的圖像，旨在模糊神聖與世俗、凡塵之間的界限，指向慾望、感受和存在的不同方式，令人敏感於其中的矛盾。

霍滕西婭·米·卡夫欽（1986年出生於羅馬尼亞加拉茨），現居住及工作於德國柏林。卡夫欽畢業於克盧日-納波卡藝術與設計大學，是（約20年前引起國際藝術界普遍關注的鬆散的藝術家團體）“克盧日團體”中的一員，但又在如下兩個方面區別於團體的其他成員。其一，她熱愛實驗，這使她得以熟悉從繪畫、雕塑到裝置等不同媒介，並能夠將所有這些融合在一起。其二，卡夫欽有一套獨特的母題，不同元素像萬花筒一樣反映我們所處的媒體時代拼貼般的視覺環境。她混合來自科幻小說和古代神話的圖像。在她的筆下，人與機器相遇，有時是作為競爭對手，但更多時候會結為一體。然而，卡夫欽的人物不是完美、優越的技術的象徵，而是敏感、憂鬱的機械的存在，他們的地位介於主體和客體之間。卡夫欽經常將人體描繪成一片正在經歷巨變的建築工地。這些身體可能被鷹架包圍，被置於化學實驗室中，或接受藥物治療。

迭戈·科利（1991年出生於西班牙馬德里），現居住及工作於瑞士巴塞爾及西班牙巴倫西亞。科利的畫作邀請觀者闡述自藝術家對物品、空間或記憶的素描中浮現的意象，並進行反思。科利鼓勵觀者再看一眼，注意他們對一種透過抽象和拼貼實現的混合體的過度解讀。這種反應和概念的重疊將一種全新的敘事引入最終完成的作品。這些繪畫並非來自先入為主的觀念或想法，而是一條在潛意識工作中發展出的線索的結果。科利自我認同為畫家而非藝術家－對他來說繪畫是最崇高的形式。他的作品受畫家和他們對繪畫這門手藝的敬畏、對形式及其演變的迷戀啟發。在他的作品中，他有時會把靜物置於帶有幽默色彩的、不尋常的環境中，以探索靜物畫的界限。這樣創作出的作品，讓人感到既陌生又熟悉。他從精神分析、自由聯想、夢境和無意識等不同領域汲取靈感來創作自己的繪畫。

阿林娜·科佩恰（1983年出生於烏克蘭波利斯克），現居住及工作於瑞士蘇黎世。科佩恰的實踐涉及性別、權力關係、社會規範、文化禁忌等複雜而開放的議題。她使用多種媒介，包括紡織拼貼、陶瓷和水彩等等。她專注於說故事的藝術，從個人經歷、日常生活，以及她認識的人的故事中汲取靈感，並結合來自藝術史、文學、神話和電影的材料。

普雷斯拉夫·科斯托夫（1998年出生於保加利亞盧塞），現居住及工作於英國倫敦。科斯托夫的作品涉及身分認同和移民經驗的複雜性。科斯托夫的繪畫使用自動主義的方法，是一個漸進的、不斷圍繞著被覺察到的記憶展開自我懷疑的過程的結果。科斯托夫的作品與老大師的形式和色彩對話，表現想像的場景、在兩者之間的邊緣地帶發現的敘事。他的作品探討了人類經驗亙古不變的現實，但又拒絕與任何特定的時刻產生直接聯繫。

塔米娜‧內格瑪特（1994年出生於烏茲別克布哈拉），現居住及工作於英國倫敦。內格瑪特的作品從她在烏茲別克度過的童年、在俄羅斯度過的青春期和成年後在英國的經歷中汲取靈感。這些作品是獻給一位反英雄、一個孤獨地潛伏於廢墟中的惡魔的。他既是一個困惑的獨裁者，也是一個到處都是過去的幽靈的不確定現實的反映。內格瑪特以毛氈為畫布，它們被繃在畫框上，就像獸皮經常被用作鼓皮一樣。來自蘇聯的貂皮和狐狸皮繼承自她的母親，承載著被困動物的焦躁情緒。在她的作品中，內格瑪特探索被特權和一種支配一切的權力感禁錮的心靈的墮落，正是這種墮落帶來了「倫理上可解釋的」食人主義，使同類相殘被視為成為「超人」的哲學進路。她在繪畫中召喚來自不同文化傳統的符號，用它們來表達她自己、她的家庭甚至國家的現實處境——信仰體系掩蓋了沒有人願意為之負責的悲劇後果。

莉迪亞·佩蒂特（1991年出生於美國馬裡蘭州），現居住及工作於英國倫敦。身體和自我是她的家和城堡——也是戰場。在尋求和解的過程中，佩蒂特的作品在這兩極之間搖擺。這包括大尺幅繪畫、絎縫、精美的刺繡，以及許多中間環節。透過多種技法的使用，佩蒂特實現了形式和內容的統一。她的作品圍繞著保護和暴露。在這一語境下，「可觸感」扮演著十分特殊的角色。它既關乎實際地接觸材料、撫摸（包括自己的在內的）身體，也關乎一種比喻意義的——有時還是消極意義的——觸摸。並且，作品中或由佩蒂特畫出的或真實的紡織品也指向應用藝術，幾個世紀以來紡織是女性被指派的工作也是她們被允許使用的唯一一種表達方式。

盧克·席爾瓦（1999年出生於英國倫敦），現居住及工作於英國倫敦和馬爾蓋特。席爾瓦創造性地以他獨有的技法在紙本或畫布上使用水彩這一經典媒介，發展出高度個人化的藝術語言。席爾瓦的經歷，特別是他在童年和青少年時期遭遇的重要挑戰，是他作品的基石。他的作品是一座避難所，是一個建構出的國度，為觀者提供暫時擺脫動盪的現實世界的慰藉。然而，這些空間並非完全獨立於現實，其中的物品和風景與外面的世界連結。他的藝術敘事是破壞力和吸引力複雜的相互影響的結果。他反覆描繪災難性的大火這一主題，這道自然力量在具備毀滅性破壞力的同時又有著致命的吸引力。它是許多類似的具有兩面性的事件的象徵，同時預示著毀滅和新生。

奧莉薇亞史特林（1996年出生於英國彼得伯勒），現居住及工作於英國倫敦。斯特林在使用繪畫處理21世紀英國種族議題方面開闢了一片天地。她的繪畫表現五彩繽紛的混亂場景，帶有一抹懷舊色彩和標誌性的“鬧劇”風格，將歡樂的節慶氣氛與對種族化觀看方式的微妙批判相結合。透過將如此尖銳的議題融入她對日常場景和物品的描繪，斯特林的作品反映了我們是如何在日常生活中時時處處遭遇種族化話語的。看似快樂無害的空間也被編碼為他者化、區別化的結構；在這場將在畫面之外繼續上演的戲劇中，每件物品、每種膚色都被指派了它們的位置。

許陽（1996年出生於中國山東），現居住及工作於英國倫敦。許陽挑戰——甚至乖離——她的亞洲教養，用她的酷兒身份探究“何為女性氣質？”“何為社會建構？”，思考我們在網上看到的是否是真實的。她從（經常是透過男性凝視被觀看的）17、18世紀西方藝術史中汲取靈感，也受到變裝表演、卡巴萊和戲劇的影響。她以自己為模特，透過繪畫、行為表演和攝影探索女性在當代社會和流行文化中的地位。她使用矽膠義乳、束身衣、臀墊、假髮和化妝改造自己的身形，質疑所謂理想化的女性身材和社交媒體結合Photoshop、圖像濾鏡對女性進行的身材羞辱，重塑女性價值。她的作品涉及權力與認同議題，甚至當代繪畫與繪畫史之間的對話，關注它們可能引起的情感反應，以及再闡釋和翻譯的潛力。

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