詹姆斯·威靈
James Welling

《思想之物》
Thought Objects

展覽日期
2024年1月11日至2月10日

開放時間
週二至週六 10:00–18:00

畫廊地址
533 West 19th Street
New York

卓納畫廊1月11日於紐約西19街533號的空間為攝影師詹姆斯‧威靈（James Welling，1951年生）舉辦新近作品展《思想之物》（Thought Objects）。卓納畫廊自2005年起代理威靈，此次展覽將是他的第十個畫廊個展。

1970年代，威靈在加州藝術學院（CalArts）求學，自那時開始，他便以不斷演進發展的攝影創作日漸為人所知，其作品深入思考著攝影的歷史與技術特性。他的攝影聚焦在影像本身的建構，也由此突破了傳統攝影的觀念。

《思想之物》將呈現一組彼此鬆散關聯的作品，它們由一系列數位工藝創作而成，共同地擴展了威靈對於照片之可能性的持續探究。威靈以他長期以來對試驗過程的興趣為出發點——如1960年代的迷幻圖像。而在這些影像中，藝術家進一步拓展他的探索：如何以歷史性的擬像過程作為模式，運用在數位環境的創作中。他借鏡版畫的物質特性，擅自以非傳統的方式使用手邊的數位工具，由此創作出層次交疊、過度飽和、拼貼組合、色調反轉的影像構圖。

儘管展覽中的作品呼應了威靈早期創作系列的主題，如現代主義建築、植物花卉和抽象觀念等，但藝術家的圖像最終還是指向了其創作進程本身。這些作品的外觀統一協調，每一件都以UV紫外光固化油墨印製——這使畫面具有鮮活生動、近乎繪畫般的色彩質地——並呈現於藝術家設計的支架，故這些纖薄的面板有如漂浮於牆面一般，凸顯出作品物質性的特徵，賦予它們一種數位創作固有的非物質化觀感。

2021年，威靈開始創作一組數位拼貼影像，它們由纖細的條帶構成，其照片截取自同一地點，而排布方式讓它們解讀起來就像一幅連貫的、有關具體地點的圖像，又顯得抽象，彷彿是從我們的印像或記憶中頻閃剪切而來的。

在諸如《24號碼頭》（Pier 24）和《砲台》（The Battery）的攝影作品中，威靈把不同方向的各種碎片拼貼到垂直的構圖中，再用數位渲染的陰影加以強化。類似的，在作品《維也納林克公寓40號》（40 Linke Wienzeile）以及《索爾克研究所》（The Salk Institute）中，他重新審視自己先前為這兩幢標誌性建築拍攝的照片，將之解構並重構為印象主義風格的圖像，使觀眾產生一種既熟悉又迷失的奇異感受。

在紐約州奧蘭治縣政府中心（Orange County Government Center）於2015年被拆除之前，威靈曾為這座由建築師保羅·魯道夫（Paul Rudolph）設計的、位於戈申（Goshen）的建築拍攝過照片。在與之相關的一件作品中，威靈以完全不同的方式運用了拼貼的概念。在這裡，他把分別於上午和下午拍攝的這幢「粗野主義」建築【它還曾出現在威靈《編舞》（Choreograph）系列中幾幅作品的背景】的圖片組合在一起，創造出一幅反照出自身的建築影像，這也饒富趣味地對攝影的自反性概念進行了發揮。

拍攝於耶魯校園的作品《立方二十二》（Cubi XXII）也同樣讓大衛史密斯（David Smith）這件不鏽鋼材質的雕塑成為了某種鷹架，鏡像地與之毗鄰的魯道夫大樓（Rudolph Hall）混凝土和玻璃材質的外立面相映成趣。

威靈在數位領域中擅用攝影層次而產生的作品，靈感來自他數十年來在擬像攝影、使用膠卷拍攝以及在暗房沖印成像的實踐。 2022年，在製作《集句詩》（Cento）系列之時（當時他用油基顏料，對拍攝了古代塑像的照片作手工上色的處理），威靈開始對他用以清潔滾筒工具的報紙上殘留下來的斑駁不平的圖案產生了興趣。他開始拍攝這些意外的平版印刷作品，隨後以此為基礎創作新作品。

在《漢薩費爾特公寓大樓》（Hansaviertel Apartment Building）中，柏林的一幢阿爾瓦·阿爾托（Alvar Aalto）的建築結構就被疊置了類似這樣偶然產生的印記。圖像保留了報紙的邊緣，彷彿那是一種場景的過濾。而在作品《溫斯洛·霍默工作室附近的普勞茨內克》（Prouts Neck near Winslow Homer's Studio）裡，這片美國畫家溫斯洛·霍默（Winslow Homer）曾在此工作過的緬因州沿海地區的照片上添加的圖案，似乎讓人聯想到了畫家約翰馬林（John Marin）筆下的海景。

此外，一幅橙色和藍色的平版印作品，疊置在色調中和的一幢由勒·柯布西耶（Le Corbusier）於1928年設計的住宅的圖像之上，共同地構成了作品《樓梯，薩伏伊別墅》（Staircase，Villa Savoye），賦予了影像一種「故障頻閃攝影」（glitch photography）的顆粒感聯想。

在另一組圖像中，威靈旨在重新利用銳化圖片的數位處理手段，產生變形扭曲，讓照片看起來彷彿具有縱深的立體浮雕。如《芍藥》（Paeonia）和《美人蕉》（Canna Lily），花卉－這位藝術家經久不衰的主題，以繪畫般的筆觸從作品的畫面中滿溢而出；而在《橡樹》（Oak）中，一棵巨大的樹從它周圍青翠的環境中脫穎而出。

最後，在其他的圖像中，包括《阿爾克·瑟南的皇家鹽場》（The Royal Salt-Works of Arc et Senans ）和《聖母領報修道院》（Annunciation Priory ，2023），威靈進一步地突出了這些創作手法，將同一主題照片的正像與負像雜糅起來，產生了卡通圖像般的黑色輪廓線以及視覺強烈的原色。與他在《思想之物》展覽中的所有作品一樣。威靈擅用簡單的數位工具來實現新穎的、意料不到的轉變，凸顯出攝影影像流動性和可塑性的特質。

註：展覽標題《思想之物》是一本1987年的攝影書的標題，為跨媒介雜誌《只是另一個混蛋》（Just Another Asshole）的第七期，也是最後一期。雜誌由芭芭拉艾斯（Barbara Ess）創辦，並由艾斯和葛林布蘭卡（Glenn Branca）共同編輯，書中收錄了一百二十五位藝術家拍攝的照片，包括威靈的作品。

關於藝術家

詹姆斯·威靈（James Welling，1951年出生）出生於康乃狄克州的哈特福德（Hartford）。他曾求學於匹茲堡的卡內基美隆大學和匹茲堡大學，並在加州瓦倫西亞的加州藝術學院獲得了純藝術學士和碩士學位。

2022年，威靈和托馬斯·魯夫（Thomas Ruff）的雙人展《暗物質》在德國比勒費爾德美術館舉行。 2021年，專注呈現威靈相關建築、古埃及和古羅馬雕塑創作系列的個展《集句詩》，於比利時霍爾努（Hornu）的當代藝術博物館舉辦。 2020年，個展《編舞》於紐約州羅徹斯特的喬治‧伊士曼博物館舉行。 2017年，比利時根特國立當代藝術博物館（S.M.A.K.）與維也納藝術論壇美術館共同舉辦了威靈的個人巡迴展《變形記》，囊括了威靈過去四十多年來的創作。

2015年，賓州的查茲福德布蘭迪懷恩河藝術博物館舉辦了《超越相似性的事物》，呈現了威靈《魏斯》系列中的五十幅作品。博物館也委任藝術家創作了八件場域特定的裝置作品《斜坡》，以此探討攝影與雕塑之間的相互影響。 2013年，俄亥俄州的辛辛那提藝術博物館為威靈舉辦了重要專題個展《專著》，並隨展覽出版了由光圈基金會（Aperture Foundation）製作的圖錄，展覽隨後巡展至洛杉磯哈默美術館。

2012年，位於英國米爾頓凱恩斯的MK Gallery舉辦了展覽《燃燒的心》，以探索威靈自1980年代以來抽象攝影創作的源起和發展，隨後巡至西班牙聖地亞哥德孔波斯特拉的加利西亞當代藝術中心、溫哥華當代藝術館。

2000年，位於俄亥俄州哥倫布的衛克斯那藝術中心（Wexner Center for the Arts）為威靈舉辦了大型專題個展，隨後巡至洛杉磯當代藝術博物館（MOCA）和巴爾的摩藝術博物館。 1990年，藝術家於伯恩美術館舉辦了首場博物館個展。

威靈的作品廣泛於美國和世界各地展出，其個展包括：芝加哥藝術博物館（2014）、瑞士溫特圖爾攝影博物館（2013）、馬薩諸塞大學安姆斯特分校當代藝術博物館（2013）、康涅狄格州哈特福德沃茲沃思藝術學院藝術博物館（2012）、明尼蘇達州明尼亞波利斯美術館（2010）、布魯塞爾美術宮（2002）、多倫多約克大學藝術館（2002）、漢諾威施普楞格爾博物館（1999）、匹茲堡卡內基藝術博物館（1998）、瑞士琉森美術館（1998年）。

1999年，威靈榮獲德國漢諾威的斯普倫博物館所頒發的「德國中央合作銀行資助攝影獎」。 2014年，威靈榮獲了紐約國際攝影中心頒發的「無限獎」（Infinity Award），亦於2016年獲得了加州伍德伯里大學朱利斯·舒爾曼研究所的「攝影卓越獎」。

1995至2016年間，他曾於UCLA加州大學洛杉磯分校擔任藝術系教授兼攝影系主任，並由2012年起在普林斯頓大學的劉易斯中心視覺藝術計畫擔任教授級講師。

威靈的作品被珍藏於世界各地重要的博物館館藏中，包括：紐約大都會藝術博物館（The Met）、紐約現代藝術博物館（MoMA）、紐約所羅門·R·古根漢美術館（The Guggenheim）、惠特尼美國藝術博物館（Whitney）、巴黎龐畢度中心、洛杉磯哈默美術館、德國沃夫斯堡藝術博物館、洛杉磯郡立藝術博物館（LACMA）、芝加哥當代藝術博物館、洛杉磯當代藝術博物館（MOCA）、波士頓藝術博物館、東京大都會攝影博物館、溫哥華美術館、哈特佛德沃茲沃思藝術學院博物館等。威靈現生活並工作於紐約。

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