1985/6年，在藝術家庫斯耶·範·布魯根（Coosje van Bruggen）與布魯斯·瑙曼（Bruce Nauman）的一系列對談中，瑙曼表示，他的興趣不在於去「對已經被認為是藝術的集群進行填充”，而是去“探索藝術或許能夠是什麼的可能性。 「這段時期，生於東京的杉本博司已經來到紐約，並開啟了其令人難忘的「海景」系列（Seascapes，1980—）：「在太陽系中，有一顆行星恰好有水和空氣，而且與太陽的距離剛好能達到孕育生命所需。在浩瀚的宇宙中，至少存在一顆這樣的行星幾乎是不可思議的，但我們卻徒勞地尋找另一個類似的例子。 」

這一年（1986）在地球另一端的中國，同樣生於40年代的藝術家梁紹基正加入保加利亞藝術家萬曼（Maryn Varbanov）在中國美術學院成立的壁掛研究所，進行“軟雕塑”的研究，自此，梁紹基用自己突破性的創作方式進一步地拉開與傳統定義的距離，與更廣泛的世界對話。

突破對固有藝術概念、創作手法與觀看方式的限制，來自世界各地的藝術家們的實踐持續推動我們認知與想像的邊界。在2024年即將於中國呈現的12場重要藝術家個展中－從已故藝術家的大型回顧展（貝聿銘、勞倫斯·韋納）至青年藝術家的特別項目（楊沛鏗）與中期研究回顧（娜布其），我們得以有機會對這些「離經叛道」的世界提問者們進行更近一步的切身觀察：從對包括身分認知、主流敘事、歷史與神話等問題觀念上的捕獲（李明維、尹秀珍、呂克·圖伊曼斯、阿比查邦· 韋拉斯塔古），到在物理上真實突破萬有引力的勇敢飛行試驗（托馬斯·薩拉切諾）。

一月‍‍

梁紹基

個展“溶熔之幻”

上海玻璃博物館，展至6月30日

於1月在上海玻璃博物館呈現的2024年度「退火」計畫展覽「梁紹基：溶熔之幻」是本計畫合作的第十一位藝術家。十二組作品佔據當代藝術館上下兩層展廳，該展覽也是「退火」計畫中首次使用全部展廳的大體量展覽。「溶」呈水態，「熔」為火性。梁紹基試圖揭示玻璃作為神奇的第四態物質生成過程中迷幻的存在形式和其精神內涵，藉之折射生命、宇宙、歷史、神話、社會在水火相剋相生中的流變之光。 “幻”，不僅是生死輪迴的象徵，也是生命多樣性和變幻無常的完美體現。

梁紹基1945年生於上海。 1986年，梁紹基加入了保加利亞藝術家萬曼（Maryn Varbanov）在中國美術學院成立的壁掛研究所，進行「軟雕塑」的系統研究，自此，從1990年代的各大國際纖維藝術展、研討會到2013年創立的杭州纖維藝術三年展，梁紹基作為該藝術領域的代表人物，用自己突破性的創作方式進一步地拉開與傳統定義的距離，擺脫“功能”與“工藝”的標籤，與更廣泛的世界對話。彼時，基因技術開始在全球引起轟動。在梁紹基看來，這是科學家對生命本源的探索，而身為藝術家，他發現蠶絲作為一個微觀的生命體也是可以對生命的本源進行科學和哲學上的探究。一根細微的蠶絲就是一個生命體，這種永動的生命所帶來的無限可能性，讓梁紹基進入了蠶的世界，開始與它長達31年的「糾纏」。梁紹基潛心在藝術與生物學，裝置與雕塑、新媒體、行為的臨界點上進行探索，他的作品充滿冥想、哲思和詩性，並成為虛透絲蹟的內美。

3月

阿比查邦· 韋拉斯塔古

《Primitive》

香港M+，3月8日開幕

M+將在展覽空間以場域特定的方式，展出泰國藝術家兼導演阿比查邦·韋拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）的作品《Primitive》（2009），這亦是此作在香港首次展出。 《Primitive》於泰國北部村落納布亞拍攝，記錄當地年輕人的生活，為他們的對話、歌曲和夢想。 《Primitive》是M+所藏的多頻道錄影裝置，將視覺藝術、流動影像和電影共冶一爐，鑄就藝術家的標誌風格，是其藝術生涯的轉折點。 《Primitive》的部分元素亦是其劇情長片《波米叔叔的前世今生》（2010）的題材，此片曾獲第63屆坎城影展金棕櫚獎。

阿比查邦·韋拉斯塔古（1970年生於泰國曼谷）成長於泰國東北部的孔敬，曾入讀孔敬大學主修建築，其後留學美國芝加哥藝術學院學習電影製作並取得碩士學位，他從1994年開始製作電影和錄影短片，成為泰國獨立電影製作人。阿彼察邦的電影和藝術之間本質上並無太大的差異，政治和社會問題總是以一種隱晦的、個人化的方式提出，並隱藏在他神秘而詩意的藝術語言中。透過對時間和光線的掌控，對演員的調度，阿彼察邦為觀眾搭建了一座纖弱的橋樑，讓他們在真實與神話、個人與集體、靈與肉之間穿行，透過非傳統的敘事結構邀請觀眾進入他個人的意識世界，裡面充滿記憶、神話、他的夢境和渴望。

楊沛鏗

個展“柔軟的土地”

香港Para Site，3月16日至5月19日

阿那亞藝術中心，冬季

位於倫敦的藝術機構Gasworks為香港藝術家楊沛（Trevor Yeung）在英國舉辦的首次個展「柔軟的土地」（Soft ground）將於2024年巡展至其合作機構香港Para Site與秦皇島阿那亞藝術中心。此次個展深入探討了倫敦同性戀聚集區複雜的社會動態和物種間的關係。展覽的核心是按比例再現漢普斯特德希斯（Hampstead Heath）一棵聲名狼藉的老橡樹，粗壯的樹幹被壓得很低，樹皮在經常夜間使用後被磨得光滑。楊沛的作品用肥皂鑄成，充滿了泥土的濕潤芳香。肥皂閃閃發光，曇花一現，是樹的替身；是被使用和消耗的親密物品。它接觸並摩擦著我們的身體，隨著時間的推移逐漸平滑和分解。藝術家將光線和氣味作為其雕塑作品的關鍵元素，透過改造展廳空間來探索黑夜與白天、公共生活與私人生活、躲避他人與被他人看見之間的流動互動。

楊沛（1988年生於廣東東莞）2010年畢業於香港浸會大學視覺藝術學院。他的作品以植物生態學、園藝、攝影和裝置為隱喻來理解社會關係，其作品巧妙地探討了控制體系和權力結構。他常以植物為媒介，借用植物的結構、養護和維護來思考親密的個人經驗。楊沛的作品將植物、動物、觀眾和參與者交織在一起，促使我們思考日常生活中的情感和行為狀況是如何決定的。 2024年，楊沛鏗將代表香港參與第60屆威尼斯雙年展。

托馬斯· 薩拉切諾

北京紅磚美術館，3月22日至8月18日

作為一位長期關註生態議題的藝術家，出生於阿根廷的托馬斯· 薩拉切諾（Tomás Saraceno） 集富有遠見的藝術家與古怪科學家特質於一體。這次紅磚美術館的展覽將展出薩拉切諾近百件作品，包括他備受矚目的「蜘蛛」和「氣球」系列作品，也是他近年來最大規模個展，延續他對這個世界提出的追問：“人類必須如何改革和調整才能繼續在地球生活”，並試圖通過一些列打破科學與藝術之間鴻溝的創作來探索答案。

托馬斯· 薩拉切諾（1973年生於阿根廷圖庫曼市）以利用輕便的材料創作懸浮在空中的幾何體集合而被人熟知，其作品內部的結構藉鑑於蜘蛛網和宇宙網絡，它們是藝術家創作靈感的兩個主要來源。薩拉切諾對蜘蛛的興趣起源於對舊工作室裡蜘蛛的觀察。透過讓不同種類、習性、甚至棲息地的蜘蛛透過混合織網的方式創造出不可能在自然界中出現的蜘蛛網組合，其作品探索了不同國家、種族的人類之間、人與自然之間和平共處的關係與可能。薩拉切諾持續的實踐包括對能夠將人類飛行所需能源降至最低程度的方式開啟的「飛行世」的探索。 2015年，薩拉切諾的飛行裝置在新墨西哥州托立尼提沙漠試飛成功，成功創造了人類有史以來非發射升空的最高紀錄，一個由塑料膜等最基礎材料與技術支持的熱氣球飛向宇宙，在引發仰望驚嘆的同時也讓我們將目光投向人類紀的不可逆、以及我們與之抵抗的持久意圖。

娜布其

個展“綠幕遊戲”

北京木木美術館，3月22日至6月30日

北京木木美術館將於3月揭幕藝術家娜布其首個職業生涯中期研究型展覽。從某個角度來看，這場全面的展覽本身就是一件****雕塑作品。當視角轉變，一場「雕塑研究」出現了――觀眾走進展廳內部，探索娜布其十餘年間的藝術實踐，見證其創作在製造業與批量生產興起帷幕下的漸變。這場實驗性的職業中期研究展如一個多面體般示人，其中每個表面都被娜布其的一系列「雕塑領域」各自佔據，繼續探尋其作品中討論過的問題與看法。

娜布其1984年生於中國內蒙古，2013年畢業於中央美術學院。無論是被視為真實的事物，或是與物件及物質相作用過程的心理本質，都是娜布其藝術創作的長期主題。從手工塑造的雕塑作品，到應用了大量現成物的裝置作品等，娜布其的藝術實踐一直牽引觀眾前去觀察細節及語境，去適應並考慮虛構與實在之間的複雜關係。娜布其由此建立的領域強調我們對周圍世界的理解，並將我們引入關於空間政治的探索之中去。娜布其創作的核心概念是由馬丁·海德格爾發展的「在場」現象學理念，她於2019年威尼斯雙年展展出的作品《真實發生在事物具有合理性的瞬間嗎? 》（2018 ）最直接地指向了這個核心理念原則：一張綠色「草地」地毯，一座在軌道上不斷前進的白底黑點乳牛雕塑，以及一個虛構天空背景。這件作品既認可了許多組成部分的既成狀態，又以同等強大的力量激發了它們的過去及未來態。不斷滑落的視覺互擾形式帶來了一種似曾相識的幻覺。身為觀眾的我們既認同了這情景，又因其整體及細節的不可置信性而感到困惑。

杉本博司

北京UCCA尤倫斯當代藝術中心

3月23日至6月23日

作為藝術家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）在中國的首個重要機構個展，在北京UCCA尤倫斯當代藝術中心揭幕的展覽將對其自1974年至今的藝術實踐進行系統性回顧與整理。展覽將囊括杉本博司最知名的海景、劇場、放電場以及肖像等系列作品，並將首次向公眾展出藝術家最新製作的一系列特別書法作品。透過這些作品，藝術家著重對時間和記憶的既定理解展開富有哲學與趣味性的探索，並且展現了攝影作為一種既紀實而又虛構的媒介的多義性。儘管杉本博司以攝影師的身份而聞名，但近年來，他將建築和雕塑融入跨學科實踐，並擔任了多部戲劇和舞台表演的藝術總監和製片人。本次展覽的展陳設計也將由杉本博司帶領的建築事務所－新素材研究所擔任。

杉本博司1948年生於東京，22歲時赴美求學，1974年畢業於洛杉磯藝術中心設計學院（Art Center College of Design）攝影系。此後約十年間，杉本博司往來於東京與紐約兩地，從事攝影藝術工作並身兼古董商，也因此接觸到大量日本美術、建築、文學和歷史的研究。 「與其說攝影機將外在世界投射在底片上，不如說我在用它向外投射存在於我內心的世界」。杉本博司曾表示。杉本慣常使用大畫幅相機，在暗房中調配顯影液，手工沖洗黑白銀鹽照片，並不斷深入探索19世紀以來諸如實景模型、蠟像和建築等攝影主題和實踐。在此過程中，他的創作對與媒材密不可分的時間、空間和光線的概念進行了拓展與重排。

5月

布魯斯·瑙曼

香港大館當代美術館，5月至8月

美國藝術家布魯斯·瑙曼（Bruce Nauman）的大型個展將於5月在香港大館當代美術館揭幕。展覽由香港大館與威尼斯格拉西宮-皮諾收藏（Palazzo Grassi – Pinault Collection）合作舉辦，啟發自藝術家於2021年在威尼斯海關大樓博物館（Punta della Dogana）舉辦的展覽「對立平衡習作」（Contrapposto Studies )。本次展覽將以皮諾收藏為基礎，透過與布魯斯·瑙曼工作室的合作，強調其作品中的實驗性特質，涵蓋瑙曼五十多年來跨越廣闊媒介的的創作生涯。

布魯斯·瑙曼（1941年生於印第安納州韋恩堡）是當今最具影響力的藝術家之一。由1960年代至今，諾曼持續對從攝影到表演，由雕塑至錄影的多種藝術語言進行實驗，並創作出一系列旨在叩問藝術實踐從何構成的作品。瑙曼表示：「我的工作方式總是相互重疊。」透過使用各種想像力能夠企及的藝術媒介，瑙曼消解了既有的藝術流派，並擴展了雕塑的概念，包括對蠟像和霓虹燈的使用、對身體的變形與沉浸式影像的創作。成長於20世紀60年代動盪政治與社會環境的瑙曼從不拘泥於任何對藝術的刻板劃分，而是去“探索藝術或許能夠是什麼的可能性。”

6月

貝聿銘

個展“生活即建築”

香港M+，6月29日至2025年1月31日

作為美籍華裔建築巨擘貝聿銘（1917–2019）的首個大型回顧展，展覽「貝聿銘：生活即建築」將於今年6月在香港M+揭幕。貝聿銘著名的職業生涯縱貫七十載，其備受矚目的建築項目橫跨遼闊地域，包括香港中銀大廈、巴黎大羅浮宮現代化改造項目、華盛頓國家美術館東館和多哈伊斯蘭藝術博物館。展覽由M+博物館設計與建築策展人王蕾（Shirley Surya）以及荷蘭新建築研究院（Het Nieuwe Instituut）的藝術總監陳伯康（Aric Chen）聯合策劃，經歷了為期五年的準備，將展出建築圖紙、草圖、影片以及其他檔案資料，其中絕大多數都是首次公開亮相，同時也將有建築模型用以展示貝聿銘過往的項目。另外，由當代攝影師受委託新近拍攝的建築照片也會在展覽中呈現。

「他的作品與人生，將權力作用、地緣政治的複雜性、文化傳統與全球各地城市的特徵一起織就成一張巨大的掛毯，他跨越文化的視角為當代世界奠定了基礎。」M+在其展覽介紹中如此寫道。貝聿銘出生於蘇州，生長於香港和上海，成年後移居美國，先後在麻省理工學院和哈佛大學就讀建築學，被視為是當代最著名的建築師之一。 「我不是時髦建築師。」貝聿銘曾在一訪談節目中反覆強調。儘管一貫被人冠以打破陳規、甚至“離經叛道”的建築大師稱號，事實上貝聿銘的設計風格始終秉承著現代主義的特徵，並倡導有效的利用環境和多變的風格 。在1983年獲得普立茲克獎時，評審團在給貝聿銘的評論中寫道，他「給本世紀留下了一些最美麗的室內空間和外部造型」。

7月

勞倫斯·韋納

北京UCCA尤倫斯當代藝術中心

7月20日至10月20日

UCCA將與勞倫斯·韋納（Lawrence Weiner，1942-2021）藝術遺產合作，於7月揭幕勞倫斯‧韋納回顧展，呈現藝術家一系列重要代表作品，包括自1970年代至2010年代的文字作品以及相關文獻資料。這是自2008年受UCCA委託創作的個人計畫「勞倫斯‧韋納：以邀光」作為UCCA開館展計畫之一展出以來，勞倫斯‧韋納於中國的首個大型機構個展。

作為1960年代觀念藝術的先驅與主要奠基者之一，勞倫斯·韋納以文本為媒介的藝術實踐聞名，其作品在特定場域呈現，探索了語言、意義和交流的特性。韋納將語言視為物質對象，拓展了人們對藝術本體論的認知，並對文字與權力之間的關係展開探討，其創作正如藝術史學者安妮·羅裡默（Anne Rorimer）所言， 「將藝術從對傳統獨一性的臣服中解放出來」。在韋納的實踐中，觀者和藝術家共同合作完成作品，而無論作品是否顯現。其作品材料和呈現形式各不相同——見於博物館、畫廊、住宅和公共空間的牆壁、地板或窗戶上。從火柴盒到井蓋、別針和T卹，或在電影中被講述，或在唱片中被演唱。韋納的作品不斷顛覆人們對藝術的運用與展現、創作者的身分和創作媒介的認知。

8月

李明維

《聲之綻》

香港M+，8月27日至9月29日

藝術家李明維備受讚譽的表演裝置《聲之綻》將於8月在香港M+焦點空間展出。李明維於照顧手術後康復的母親，兩人從舒伯特的樂曲得到慰藉，《聲之綻》就是受此經驗啟發。他將挑選五首樂曲以及一群香港古典樂曲歌者，並將這些樂曲化為獻禮，在偶然的瞬間，為人們帶來自然流露的快樂、感傷和連結。

台灣出生的李明維（生於1964年）是享譽國際的藝術家，其創新的作品著重體驗與藝術參與。曾於台灣和美國求學，李明維是1990年代首批在藝術作品中加入參與式元素的藝術家。透過對機構空間的微妙介入，李明維推翻並違背了人們固有意義上的對觀看和參與的期望。在先前的作品項目中，他曾讓博物館參觀者將其所獲得的鮮花送給一位途中偶遇的陌生人（《移動的花園》）；或進入其特製的驛亭內用站、坐、跪三種姿勢給自己的親友寫信，由博物館在第二天幫忙寄出或供之後的參觀者閱讀（《魚雁計劃》）。李明維的多數作品均反映了移民和跨文化認同對情感、心理所造成的影響——無家可歸、孤立、失落，以及隨之而來的關於個人與世界之間的聯繫的更深層認知，如家庭、友善、親屬關係或記憶。他的作品體現了對當今世界變幻交融的敏感度和適應性，代言了跨文化身分藝術家在全球意識下的創作實踐。

11月

呂克·圖伊曼斯

個展“過去”

北京UCCA尤倫斯當代藝術中心

11月16日至2025年2月16日

中國是藝術家呂克·圖伊曼斯（Luc Tuymans）一直以來非常感興趣且曾經展出過的國家，將於北京UCCA揭幕的藝術家個展將是中國首個全面系統梳理其藝術實踐、同時也是其最為重要的回顧展之一。圖伊曼斯的作品引人注目且富有表現力，而畫面下隱含的內斂緘默本質則邀請觀者進行多樣化解讀。此次展覽將呈現代表呂克·圖伊曼斯整個職業生涯的約80幅作品，包括自1985年藝術家舉辦首展以來，其創作中始終出現的以中國為主題的作品，突出展現圖伊曼斯對創作媒材如何塑造歷史和影響記憶的持續探索。

作為當今最重要的畫家之一，呂克·圖伊曼斯（1958年生於比利時莫特賽爾）於1980年代即透過自歐洲北方文藝復興蔚為壯觀的繪畫風潮，及其自年輕時代——二戰數十年後比利時流行文化和媒體中汲取而成的獨特藝術風格而在歐洲備受關注。同時受波瀾壯闊的歷史與日常生活中的平凡細節所吸引，圖伊曼斯對影像本身所蘊含的塑造當下與詮釋歷史的不穩定力量展開探索。基於原有意象，圖伊曼斯的作品或賦予普通物品超乎尋常的重要性，或令人難忘地將具有重大影響的主題簡化為猶如迷一般的圖像，迴避了歷史畫作通常所具有的清晰指向性。因其對繪畫與技法的力量與局限性的認知與把控，圖伊曼斯對同輩及後續藝術家產生了廣泛影響，其中包括1990年代接觸到其作品的眾多中國藝術家。

尹秀珍

上海當代藝術館

2024年11月至2025年2月

上海當代藝術博物館在2024年迎來其12週年，並在先前公佈的展覽計畫中表示，2024年，藝術、設計、建築等跨領域的智慧將匯聚在PSA，形成豐富的宇宙星系。其中，博物館將於2024年底舉辦藝術家尹秀珍的個展。

尹秀珍（1963年生於中國北京）是中國最重要的當代藝術家之一，她對社會現實的關註一直圍繞著具體的個體經驗展開，將私人的生命傳記編織進歷史的集體敘事之中，作品涉及裝置、行為、陶瓷、影像、繪畫雕塑等眾多領域。尹秀珍自上世紀90年代開始以活躍的姿態參與到中國當代藝術進程中多個重要節點性展覽及事件中，她以敏銳而詩意化的創作直覺捕捉了急速發展的社會中主流敘事背後的迷失與不安，並以一系列運用日常材料創作的雕塑裝置將微妙的個體感受及往往被忽視的個體意志予以視覺化呈現。她的作品具有實驗性和多樣性，並對材料進行反思，進行了大量的不同形式的藝術創作。

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