2026秋拍佳士得香港「二十及二十一世紀藝術系列拍賣」共三場，9 月 29 日，佳士得香港「二十及二十一世紀晚間拍賣」在香港舉槌；同季的二十世紀日間拍賣與二十一世紀日間拍賣緊隨其後，於 9 月 30 日舉行。

2026 年正值佳士得進駐亞洲四十週年。

四十年前的第一槌落在這裡時，亞洲藏家尚在初識西方戰後與當代藝術；今天，這份認知已然沉澱為成熟的收藏判斷力。香港不再只是西方藝術進入亞洲的試驗場，而是這些藍籌藝術家們在全球流通鏈中穩定的節點。

本季秋拍重磅陣容再次展現了佳士得在亞洲現當代藝術市場的堅實領導地位。拍品覆蓋從全球定價的頂級藍籌，到華人現代與當代的核心資產 ； 從把藝術史帶進亞洲的西方現代與戰後大師​​，到東南亞現代的成長型藝術家：尚·米榭·巴斯奇亞、草間彌生、趙無極、格哈德⸱里希特、保羅·塞尚、劉野、山提

一、尚·米榭·巴斯奇亞《古代科學家》

全球當代藝術的核心名稱 | 1984 重要年份，罕見母題，Xerox 拼貼

這是介於實驗室與神話之間的思想裝置。

1984 年是巴斯奇亞在國際藝壇聲名鵲起的一年：愛丁堡 Fruitmarket 畫廊為他舉辦首次美術館巡迴個展，隨後巡至倫敦 ICA 與鹿特丹博伊曼斯·范伯寧博物館，《古代科學家》就誕生於這一年。

畫中人物同時是學者、祭司與預言者，背後疊著三層文明譜系，作品成為一座跨越時空的實驗室。解剖學是他標誌性視覺語言，童年住院時母親贈予的《格雷氏解剖學》，讓骨骼、骷髏成為他穿透表象、叩問本質的符號；非洲面具與皇冠，則將西方科學史人物與非洲、非裔加勒比文明並置，重估非洲文化在藝術史中的價值；植物學與煉金術元素，依托融入 Xerox 複印畫面。

《古代科學家》的尺幅169×156公分，壓克力和油畫棒之外還用了Xerox複印拼貼，工序更複雜，存世量明顯少於純油畫棒作品；儘管骷髏、皇冠是藝術家反復描繪的母題，但 “古代科學家” 畫完就放下了。

佳士得亞太二十一世紀藝術部門長期以博物館級展覽培育亞洲市場：2021 年於香港、上海推出「Radiance: 尚・米榭・巴斯奇亞鉅作大展」；2023 首爾藝術週呈獻「Heads On: Basquiat and Warhol」。目前亞洲拍場成交價前十名的巴斯奇亞作品，七件經由佳士得成交。

可參考同年份、同含拼貼的《星期六的夜晚》，2025 年 3 月佳士得香港晚拍以 1.126 億港元成交，本作尺寸約為其六成，為 1984 年巴斯奇亞創作在亞洲市場確立價值參照。

二、草間彌生《A-南瓜 (YHP)》

首位登頂《胡潤全球藝術榜》的女性藝術家 | 首現拍場，成熟期大尺幅南瓜

一顆隨時會從自身輪廓溶解的南瓜草間彌生這樣形容她對南瓜的感情：

這份情結可追溯至 1948 年，南瓜表皮的紋路給了她靈感，黃黑配色也因此成為系列最經典的面貌。在這件作品中，南瓜不是靜物畫意義上的被描繪對象。它佔據視覺中心，弧形輪廓被圓點與網紋重新分割。

草間將樸素植物轉化為正面肖像般的主體，藉由重複圖案營造自我消融的視覺體驗，呼應貫穿一生的創作內核。網紋語言延續奠定她藝術地位的《無限網》系列：50 年代末至 60 年代初，她於單色畫布鋪展細密筆觸，交織漩渦網狀結構。

她自述中談到，以弧線、圓點在畫布留下痕跡，個體在與載體的融合中獲得永續，這件作品正是圓點與無限網兩大核心脈絡的交匯之作。

《A-南瓜 (YHP)》是市場中首次露面的生貨，對一件草間彌生的成熟期作品來說，極為難得。

130.2 × 162cm 屬於南瓜畫中大尺幅，且南瓜作品多為豎構圖，這幅橫版構圖，視覺節奏獨樹一格。同系列可參考的是2013年作的《南瓜 (LPASG)》，2021年12月經香港佳士得成交6254萬港元。

草間彌生於 2026 年辭世，享年 97 歲。她在世時已是亞洲當代藝術拍賣市場的標竿人物，2025 她成為第一位登頂該榜的女性藝術家，現在她的市場正式轉入存量時代，可流通原作存量固定，這件館藏級作品稀缺性進一步凸顯。

本季是草間彌生辭世後的首場香港秋拍，南瓜作品的成交結果，或將成為觀察其身後市場的第一個風向標。

三、趙無極 

《銀河-09.11.56》

甲骨文時期高峰，罕見「銀河」母題，作品傳承有序
 

1954 年，趙無極將鐘鼎文、甲骨文等古代文字拆解融入畫中，配合西方油彩​​無極將鐘鼎文、甲骨文等古代文字拆解融入畫中，配合西方油彩​​無極的氣像千萬－他找到了融貫中西的鑰匙，這便是有名的「甲骨文時期」(1954–1958)。 《銀河》作於這段時期的高峰中段。

作品的題材「銀河」在趙無極一生創作中極為罕見，他把象徵東方遠古文明的甲骨文與銀河的意象結合，將古老文字化為橫貫天際的星流；背後是「四方上下曰宇，古往今來曰宙」的宇宙觀。與甲骨文初期風骨遒勁的樣貌不同，這件作品中的「書法」已成熟流暢、細膩繁復，豐富的文化符號連結起原始與前衛，也預示著 50 年代末「狂草時期」的來臨。它特殊在藍色。

趙無極對藍色有持續的偏好，在西方，藍色是神性高貴的象徵；中世紀使用的藍色顏料更是從青金石取材，矜貴之餘能歷千年而常新。趙無極各時期畫作的筆法、結構與風格縱有不同，但都能找到藍色的代表佳作，《銀河》正是其中之一。

甲骨文時期的大型油畫存世不多，多數已經進了機構或長期私人收藏，能出現在市場上的屈指可數。

而這一件在其中還佔著兩個位置：一是「銀河」這個罕見主題，法文標題和款識一併寫在畫背；二是年這個節點，上承1954年的風格轉折，下接狂草時期，正卡在語言轉換的關口上。

這件作品的流傳記錄，基本上就是一部趙無極從巴黎走向亞洲的路線圖。

起點是巴黎法蘭西畫廊，這是趙無極最早的法國代理畫廊，由它釋出進入歐洲私人收藏。 1998年它第一次跨過歐亞界線，經佳士得台北轉入亞洲私人收藏；2004年再經佳士得香港易手，從那時起一直留在亞洲，至今快三十年。

三次公開轉手，中間隔兩段漫長的私人持有。它最近一次公開露面是2019年9月的佳士得上海晚拍，Lot 307：RMB 3000 萬起拍，場外買家十餘輪拉鋸，以 RMB 4700萬落槌，含佣金成交 5640 萬元，創下當年佳士得上海拍賣最高成交紀錄。

四、格哈德⸱里希特 《抽象畫》

戰後繪畫最重要的在世藝術家之一 | 油彩木板罕見媒介，二十年未現市場，著錄與展覽齊備

《抽象畫》系列自 1976 年開啟，是里希特對戰後繪畫最重要的貢獻之一。它回應的是一個看似簡單的問題：在一個影像過度飽和的世界裡，繪畫還能做些什麼。先前的照相繪畫與灰色單色畫已解構了具象的幻覺，抽象畫則轉向顏料本身的物理語言——物質性、偶然性與姿態，第一次成為建構圖像的合法手段。

方法的核心是刮刀。里希特用特製刮刀在濕油彩上重複拖拉：每一道刮擦既擦除部分錶面，又顯露新的色彩與縱深。這既是解構也是建構──他抹去任何可能浮現的具像元素，既是對藝術家角色的解構，也是對行動繪畫那種自傳式宣洩的嘲弄；但畫面裡又飽含對顏料與色彩本身的熱愛。他曾說抽象畫對他是一種「無罪的慰藉與釋放」，又把它描述為「只為了描繪『無』」。

里希特在1991年畫過以紅色主導的畫布，共27幅，其中3幅已經進了機構，1991 年這個年份還有一層意義：那是他在倫敦泰特舉辦回顧展的同一年。而2026年，93歲的他正在巴黎路易威登基金會舉辦大型回顧展。

這件作品1991 年 9 至 10 月，它剛畫完就被送進巴黎 Galerie Liliane & Michel Durand-Dessert 的“Gerhard Richter”個展，並以彩色圖版印進展覽材料；兩年後又被編入作品全集，同樣配了彩色圖版，“創作當年印進展覽材料；兩年後又被編入作品全集，同樣配了彩色圖版，“創作當年即出版”就被這件作品從一年開始的代表作一年開始。

它上一次出現在市場上是 2006 年 10 月 17 日佳士得倫敦，，已經過去二十年。估價 £300.000 至 400.000.成交 £377.600.二十年前以 £377.600 易手的作品，本季估價 HK$3.800 萬起——二十年間，這個數字翻了近十倍。

五、保羅塞尚《藍盤靜物》

「現代繪畫之父」| 默倫轉型期 16 幅中 13 幅已入機構，遞藏顯赫

一張小畫布上的現代主義實驗台這不是一幅靠尺幅取勝的作品。 28×22.7厘米，小到可以捧在手上。它的力量來自壓縮——物體少、空間窄、顏色集中、幾乎沒有敘事。

1879 年至 1880 年，塞尚與家人居住在巴黎東南的默倫。他在書信中坦言當地自然條件讓風景畫創作相當棘手，於是轉向靜物──一個可以反複推敲的題材。不到一年完成 16 幅靜物，其中 13 幅後來進入橘園、古根漢、冬宮等頂尖博物館。大量同階段作品早已退出市場流通範疇，仍留在私人手中的屈指可數，本作是其中之一。

第一眼看去，這件作品像從更大畫面裡偶然裁下的一角：盤子只露出一部分，左側物體被邊緣截斷，桌板從左下向右上斜去。桌面被「掀起」，挑戰了自文藝復興以來的單點透視；藍盤的圓形不符合單一視點的橢圓規律。但它並沒有散掉——桌板對角線被壁紙上一片傾斜的葉子托住，鈷藍與背景的藍綠色呼應。

見功力的是色彩，右側桃子往暗處轉去的那一半，他沒有加黑，而是混入藍、綠和紫灰；另一枚由粉、黃、紅的短筆觸層層堆疊。兩者都沒有用傳統明暗法，形體靠色彩關係自然浮現。畢卡索後來說：“他是我唯一的老師! 他就像我們所有人的父親。”

這幅畫的流傳名單上寫著四個名字，按順序念一遍，等於把現代藝術被接受的過程講了一遍。

第一個是奧克塔夫·米爾博。 19 世紀末的法國，前衛藝術還需要有人替它說話，米爾博就是那個人──他為莫內、畢沙羅、羅丹、梵谷和塞尚寫過辯護文章，也把這些人的畫買回家。這幅畫由他開始。第二個是阿爾方斯·卡恩，1920 年這幅畫轉入他的收藏；卡恩的收藏橫跨古典大師、印象派與現代藝術，是 20 世紀上半葉法國最重要的收藏家之一。第三個節點在二戰之後：它成了英國出版家愛德華·赫頓爵士夫婦那批頂級現代藝術收藏中的一件。第四個是日本的伊勢基金會， 1988 年入藏，在那裡放了二十多年。

四組持有者，四個國家，四種身份，前後跨越一百年。他們買下同一張小畫的理由各不相同，但每次都發生在現代藝術收藏史上某個具體的位置。

默倫時期是塞尚從印象派轉向結構分析的階段，這張畫正處在這條線的起點上：印象派留下的明亮氣息還在，桌板和盤子之間的結構衝突卻已經把繪畫推向了另一個方向。

看這幅畫，看到的不是一個已經完成的答案，而是現代主義者在現場拆解規則。

六、劉野《藍色的海》

中國當代藝術中堅，作品入藏香港 M+、上海龍美術館、北京今日美術館 | 海軍系列成熟期大尺幅

對於成長於 1990 年代的中國男孩而言，海軍是關於遠方與冒險的集體幻想。根據《劉野作品全集》統計，以「海軍」為主題的作品均作於 1995 至 2000 年間，累計 32 件；這件作品作於 1998 年，系列最成熟的階段，同年他赴阿姆斯特丹皇家藝術學院駐留，研究維米爾與蒙德里安。

蒙德里安沒有直接出現在畫裡，而是藏在結構裡，散落於地的書冊封面印有蒙德里安的圖像，海平面的水平分割與欄桿的幾何節奏，共同構成理性和諧的秩序。一束斜側光自畫面之外射入，使這件作品帶有舞台感；構成主義的血脈則來自他自述的源頭——羅德琴科、里茨斯基、馬列維奇作品中大量的軍艦與飛機。

小水手獨自站在甲板一隅，他所凝望的是曙光還是餘暉，遠方等待著他的是友鄰還是敵人——正是這種留白，使整個場景如同一出凝固的默劇。劉野並未選擇宏大的歷史敘事，而是透過一名望向遠方的孩童，將時代的重量轉化為個人的凝視。孩童的身軀微小而脆弱，身後卻是廣闊的海洋與巨艦，在畫面中形成耐人尋味的張力。經過精密計算的構圖、蒙德里安式的秩序、維梅爾般的光線，以及近乎舞台劇的場景設計，共同將現實轉化為一則童話般的寓言。

收藏價值海軍系列總共 32 件，其中尺幅與這件作品 170 × 200 cm 相當或更大的只有五件。而在這五件裡，1995 年作《寂靜的海》，如今收藏於香港 M+。這件作品是少數幾件之中還能被私人擁有的幾件之一。它畫於 1998 年，畫面裡的戲劇性與控制力都已成熟。

上一次出現在市場是 2011 年 11 月的佳士得香港，到現在，十五年足夠讓一個系列的性質發生變化：當年它被當作當代藝術來看，如今已經開始被當作一個時代的視覺記憶來對待。

七、薩爾瓦多·達利《七藝之魔法》

超現實主義在全球認知度最高的名字 | 達利油畫首登亞洲拍場，1957 年火災後重繪版本，具有超強傳播力

一場從灰燼裡重生的超現實狂想1944 年，百老匯製作人比利·羅斯購入紐約齊格菲劇院，邀請達利為歌舞劇《七藝》創作系列畫作。達利在排練期間利用八樓辦公室作畫，7 幅耗時約 6 週，開幕之夜懸掛於劇院門廳。

這批畫作陳列近十年後被移至羅斯位於紐約州北基斯科山的鄉間莊園。 年一場大火重創該建築，羅斯的藝術品多數付之一炬，包括達利為劇院獨家創作的整套畫作。

羅斯痛失「七藝」系列，便以保險理賠金再次委託達利重畫。 1957 年，達利在曼哈頓瑞吉酒店的套房中重新調整了若干意象——愈加拉長的形體、奇異的生物與複雜的角色；原本以「劇場」為主題的畫作由 L 形畫布改為長方形，標題也更改為《魔法》(Ensorcellement)。

達利以戲劇藝術為題，把喜劇與悲劇擬人化，將兩種表情置於中央拉伸形體的兩端：一端是滑稽老人展露狂笑；另一端是較年輕的悲戚面容，大眼、飛翹的鼻樑與下撇的嘴角構成哭泣的臉龐。

這是達利油畫首次登上亞洲拍場，此外，「七藝」這個計畫本身在達利生涯中也屬少見，有具體委託、有明確敘事、有火災與重生的完整鏈條，故事性和傳播性極強，這件作品背後的故事，本身就足以拍成一部電影。

八、克里絲汀⸱艾珠《最高玩家 01》

東南亞當代最受矚目的藝人之一，入選「全球女性藝人 TOP 20」| 本場唯一東南亞當代，170 × 200 cm 大尺幅

克里絲汀⸱艾珠是印尼最重要的當代藝術家之一，1973 年生於萬隆，曾就讀於萬隆理工學院的平面設計與版畫部。

她的方法論根基在版畫。早年熟練運用凹版銅版雕刻和蝕刻版畫，那段訓練塑造了她後來的標誌性語言：油畫棒於布面，

階梯是她反復用的意象。她用階梯來比喻人類攀爬向上的本性，這個母題和題名裡的「Highest」直接呼應——畫面處理的是高度、攀升，以及攀升過程中暴露出來的脆弱。油畫棒的乾澀質感讓她的線條既能銳利如刻痕，又能氤氳如呼吸。

近年來她在機構與畫廊合作、展覽非常緊密，新加坡美術館的“Talking Objects”展期一直排到 2026 年 7 月；白立方香港的“Thresholds”自 2025 年 10 月持續至 2026 年 1 月；Ben Brown Fine Arts 香港的“Wish You Weree”則在秋夏舉行。更早的機構展覽還包括 ARndt Berlin、Saatchi Gallery 與上海 MoCA。 2019 年，她入選「全球女性藝術家 TOP 20」。

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