展覽 | 藝倉美術館碼頭計劃“苦地宣言”正在展出 展覽持續至9月17日
苦地宣言
Declaration ofthe Bitter Land
藝術家：Kanat Akar、劉廣隸、吳詠詩、Nnenna Onuoha、王偲丞&Nick Bentz
策展人：高哲君
策展助理：徐菲
展期及時間：2023.7.15—2023.9.17
每週三至週日 11:00-18:00
地點：藝倉美術館藝庫1&2
上海浦東新區濱江大道4777號
藝倉美術館碼頭於7月15日至9月17日呈現全新展覽《苦地宣言》。 本次展覽召集Kanat Akar，劉廣隸，吳詠詩，Nnenna Onuoha, 王偲丞&Nick Bentz五位海內外年青藝術家，展示他們圍繞創傷和記憶為關鍵線索而展開的部分創作，包括一系列攝影、裝置，和錄像作品。沿著彼此獨特的研究方法論和創作路徑，五位藝術家呈現了他們對苦難、記憶、檔案合法性的不同的觀察與思考，並將其轉化為各異的視覺圖景，邀請我們在一個充滿變動、衝突、憂慮的背景下開啟宣言式的討論和行動。
在其著作《關於他人的苦難》中，蘇珊·桑塔格直言不諱地指出了歷史、懷念、記憶三者之間弔詭自悖的關係：“但是在一段較長的集體歷史的時間範圍內，歷史卻對懷念的價值發出矛盾的信號,[…]和平就是為了忘卻。為了和解，記憶就有必要缺失和受局限。”這一觀點揭露了現代歷史書寫的重要核心——建立在對大量傷痛和其後果的選擇性無視和沈默之上。然而，對苦難歷史的迴避並非只受縛於宏觀層面的文化和政治力量；個體精神生理層面對創傷經歷的滯後反應亦惡化了苦難的不可言說性。在弗洛伊德針對歇斯底里症的開創性研究中就強調了這一滯後性對個體的影響——即苦難本身並不痛苦，回憶才是。個體為避免持續的痛苦，往往選擇避免回憶；當這一選擇被投射在一個更廣的文化政治語境之上，現代性對一切痛苦、衝突、暴力的隱藏、簡化、美化便合情合理地發生，持續下去。
藝術家努力激活我們對苦難的回憶和感受，挑戰我們認知和共情的極限。 Kanat Akar的錄像《鄰居》圍繞13歲的敘利亞難民拍攝的照片展開，講述了難民遷徙以及其代表的歸屬與渴望、短暫與無形、熟悉與他者之間的距離。 劉廣隸在《直到海里長出森林》中呈現了一段有關柬埔寨過往的口述歷史。 Nnenna Onuoha的《童年照片》研究了尼日利亞東南部一代人的童年照片和錄像，儘管這些資料幾乎不會出現在家庭相冊中，但在人道主義檔案中卻比比皆是。不同於上述三位對具體歷史事件的關注，吳詠詩和王偲丞擺脫了對敘事的迷戀，對創傷感的視覺化和信息化過程提出疑問。前者的作品《苦地宣言》貢獻了展覽標題的來源，通過並置流行文化中過分濫俗而近乎失效的符號營造齣戲虐懷舊的創傷感；後者的作品《2020秋，威脅》則質問了信息洪流下圖像的真實性和人們對暴力圖像的習慣性麻木。展覽將這些作品相互並置，保留各自獨立性的同時，也試圖描繪出它們之間隱形的互文關係。最終，這些藝術實踐所發出的聲音努力填補了那些被壓制、淡化，或乾脆直接從官方歷史、大眾記憶和集體無意識中被抹去的盲點，有力地寫下了一紙苦地之上的宣言：
我們需要保持記憶的活性，不管是作為名詞，還是動詞。去記住些什麼，記錄些什麼，為過去，為現在，為將來；不是為了和解和妥協，而是作為一種協商和抵抗的場地。它可以是對現有的敘述的補充和修正，亦可以是完全重新拼湊出一些東西，哪怕是沒有歷史邏輯的，概念的，抽象的；它不是單純關於腦力的，是身體的產物，也是行動的燃料。更重要的是，它是可閱讀的，可交換的；記憶是午夜歸來的幽靈，是折磨我們的噩夢；噩夢不一定是壞的，尤其對睡了太久的人來說。當然，我們要警惕那些讓記憶變得困難的事，也保持對記憶本身的反思，太陌生或太熟悉都會導致“想不起來”，所以需要一個合適的距離，看到他人也要看到我們自己。不是說這個世界有多苦，它可能也沒那麼糟糕，至少我們還能發出點聲音，但不要自滿、麻木，它也沒那麼好。保持懷疑，保持探索，把宣言刻在身上，然後行動起來。
關於藝術家
Kanat Akar (b.1991)是一位視覺藝術家，生活和工作於土耳其安卡拉。他在實踐中使用攝影和電子媒體作為視覺調查人類經驗的交流工具，旨在講述我們所生活的政治和社會環境中的人們的故事。他於2018年獲得比爾肯大學學士學位，並在馬里蘭藝術學院藝術、攝影和電子媒體系獲得碩士學位。直到最近，他一直是VisArts(馬里蘭州羅克維爾)的駐地藝術家。他的作品曾在2018年伊斯坦布爾BASE展覽會上展出，並在匈牙利、意大利和美國舉辦了多場群展。
劉廣隸 (b.1990) 生於湖南冷水江市，現工作、生活於巴黎。畢業於Le Fresnoy法國國立當代藝術研究中心。他的創作通常在描述歷史或事件不同方式的狹縫中吸取養分，最後在裝置、視頻、紀錄片和繪畫中找到它們自己該有的姿態，它們暗示我們對當下的理解是由信息媒介格式、預先存在的語言和社會規範所塑造的。他曾獲得奧地利林茨電子藝術節大獎Golden Nica及Honorary Mention (2021, 2022)、卡塞爾紀錄片影展最佳短片Golden Key (2021) 等獎項。
吳詠詩在香港生活和工作。通過構想主題概念和物體質性之間的類同，她的創作討論了大都市背景下情感的怪異特性。藝術家的思想彰顯於她對材料緊湊的畸形化處理。吳詠詩於2020年取得香港中文大學藝術學士學位，作品曾在香港和荷蘭格羅寧根展出。她入選香港Para Site「2046醞釀獎助金」計劃（2021），參加定海橋互助社駐地創作（2019），影像作品《bY tH!5 sH@1l alL m3n Kn0w Th@7 y3 aRe My Di5c!pL3s》被納入錄映太奇媒體藝術收藏（Videotage Media Art Collection）。吳詠詩亦是獨立刊物《MYEW!》的聯合創始人和編輯。
Nnenna Onuoha是加納裔尼日利亞研究員、電影製作人和藝術家，現居德國柏林。她的影像以非裔僑民的聲音為中心，探索圍繞著西非、歐洲和美國殖民主義的歷史和後世的不朽沉默，並試圖發問:我們該如何記憶？我們該如何展示歷史？尼娜的作品曾在KW當代藝術學院、漢堡藝術協會和特爾姆畫廊展出。她目前是哈佛大學媒體人類學和波茨坦大學全球歷史學的博士研究員。
王偲丞1992年出生於武漢，畢業於馬里蘭藝術學院，先後工作、居住於武漢，紐約和上海。藝術實踐涉及繪畫、裝置、行為和新媒體等。其是實驗藝術團體ACE Lab的創始人。在王偲丞的藝術實踐中，藝術家通過對不同媒介的詩意化表達來表現他對生命捉摸不定的流動的體驗和理解，和其對於環境問題的憂慮。利用藝術作品討論故土與他鄉之間的私人，文化，歷史的內在聯繫，同時也試圖展示他所處的動態變化的社會如何塑造他自己。
Nick Bentz（b.1994)是一位作曲家和小提琴家，他的藝術探索人類經歷的邊緣和隱秘空間。在他的作品中，他試圖描繪一個個具有個人敘事和敘事感的親密個人空間。 Nick的作品常常從歷史資料中獲得靈感，探索聲音文物與時間之間的破壞性關係。他的藝術聚焦於將風格習語模糊、並置和融合成獨特的聲音陳述。
關於“碼頭計劃”
“碼頭計劃”（Dock Project）是藝倉美術館旗下的獨立藝術項目。立足於黃浦江岸，它秉持多元開放的實驗精神，突破傳統的“白盒子”模式，以打造1.2公里無邊界藝術江岸舞台為目標。通過在美術館所處的濱江大道信塔、藝庫等場地舉辦各類藝術跨界活動——如版畫藝術節、滑板節、塗鴉、放映會、音樂節等時尚潮流活動；並圍繞展覽展示、講座對談、工作坊、實驗音樂表演、藝術駐地、公共藝術項目等展開交流學習；“碼頭計劃”將陸續邀請不同藝術家、策展人、音樂人、設計師、研究者共同加入對話，就展覽、教育、公共項目、寫作出版、藝術跨界等內容，持續開發具有跨文化、跨學科思想精神的創新實踐，並不斷探索符合在地語境的藝術生態新模式。
“碼頭計劃”將分為三大內容板塊，分別為「嗚」、「塢」、和「晤」。 “嗚”是輪船汽笛的聲音，是船舶、碼頭的擬聲詞——碼頭計劃第一板塊關注圍繞聲音、音樂、聽覺文化展開的藝術文化實踐，探索非視覺，去中心，多元共創的美學思想。 “塢”是電腦上的程序欄，是現實與數字世界的連接端口，是英文DOCK除碼頭外的第二個意思——碼頭計劃第二板塊關注藝術與科技的互動關係。通過“塢”我們穿梭於現實與虛擬之間。 “晤”代表著思想的交互與碰撞，知識的分享與交流——借助一系列藝術活動，我們在碼頭相聚相識、會晤暢談，共同探索感受藝術之力。
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