【2025春拍】聚焦上海！ 嘉禾二十世紀及當代藝術專場 6月15日舉槌
上海嘉禾2025年春季暨十五週年慶典拍賣會將於6月13日 - 14日在上海靜安洲際酒店(靜安區恆豐路500號)預展，6月15日 - 16日正式拍賣，涵蓋中國書畫、二十世紀及當代藝術等多元品類。
其中，二十世紀及當代藝術夜場備受矚目，匯聚多位全球現當代藝術家的180餘件精品佳作，既呈現餘友涵、陳逸飛、李山等里程碑式人物的經典作品，串聯中國當代藝術早期探索脈絡，也甄選馬軻等中青年藝術家代表作展現個體語言;同時，收錄於中國高地藝術地位出版物的著作權;更有被譽為未來國際藝術市場「藍籌股」的王茜瑤、陳英傑等青年藝術家新銳作品，以及劉曼文、劉虹等女性藝術家的多元視角創作，全景式呈現中國當代藝術三十餘年的多元發展圖景。
餘友涵 (1943-2023 )出生於上海，畢業於中央工藝美術學院。他是中國當代藝術領域極具革新精神的探索者，作為 “85 新潮” 美術運動的關鍵推動者與90年代 “政治波普” 藝術的先行者，他以 “圓” 為核心圖式構建起獨特的抽象藝術體系。英國藝術史家愛德華・路希・史密斯曾評價其 「最早將國際風格轉化為個人藝術語言，或在中國藝術史上佔據重要地位」。
自 20 世紀 80 年代起，他賦予 “圓” 雙重文化含義：既承載著中國宇宙觀中 “周而復始” 的哲學象徵，又成為其抽象形式語言的結構支點 —— 有別於西方抽象藝術的 “去語義化”，他筆下的圓是文化基因與情感張力的載體，既是時間輪迴與當代的精神轉譯
在 90 年代，餘友涵的藝術創作進入成熟期，其市場價值亦因風格突破與國際認可顯著提升：這一時期的 “圓” 系列作品完全脫離具體形象，演變為圓圈內點、線、色塊與幾何形狀的有機組合，透過色彩衝突與呼應、筆觸流動與凝結，在有限空間中營造的無限空間張力。1993 年、1994 年，他代表中國首次參加威尼斯雙年展與聖保羅雙年展，作品在國際藝術市場獲得廣泛關注，成為西方藏家認知中國當代藝術的重要樣本。
這次上拍的《抽象 1993》正是其 90 年代 「圓」 系列的重要代表作，也是首次現身於拍場的生貨，作品畫面上低飽和暗灰色背景中，密集的黑、灰、白小圓點聚合成帶有晃動感的大型圓形，深紅與暗黃的色塊如情緒微光點綴其間，顏料自然流淌的痕跡賦予畫面時間的重量感，既似冥思的固態凝結，又像意識流動的動態記錄，精妙展現了藝術家對秩序與不確定性的平衡。
這段時期的作品之所以兼具學術價值與市場稀缺性，既源於其將傳統哲學符號轉化為現代藝術語言的先鋒性，也因其以國際雙年展為跳板獲得的全球曝光度，更因部分精品被博物館、美術館永久收藏後形成的流通稀缺性。正如餘友涵所言 “圓是一個簡單的形象，它成為了我一系列畫的主要形象”，這個持續旋轉的視覺符號，在 90 年代的社會轉型語境中，既映射著消費主義與懷舊情緒的時代肌理，也構建了一個既激活傳統文脈、又回應現代性命題的精神宇宙，至今仍在當代藝術的語境中迴響著思韻的餘韻。
陳逸飛（1946-2005 ），中國油畫家、視覺藝術家、影視導演，以其卓越的藝術才華和深邃的文化洞察力，在中國乃至世界藝術史上留下了濃墨重彩的一筆。他出生於寧波，畢業於上海市美術專科學校，在上海這座充滿藝術氣息與摩登魅力的城市裡，陳逸飛宛如一顆璀璨的星辰，上海這座城市的人文底蘊與藝術氛圍，深深滋養著他的創作靈感，而他也用畫筆與多元藝術實踐，回饋並豐富了上海的美術圖。
近日，浦東美術館舉辦的「時代逸飛：陳逸飛回顧展」讓我們再次聚焦這位藝術巨匠的輝煌成就。陳逸飛先生的藝術之路，是東西文化交融的典範。他既深諳中國傳統藝術的意境與氣韻，又勇於吸收西方寫實技巧與現代藝術觀念。
陳逸飛先生也是一位跨界藝術家，他在影視、時尚設計等領域也取得了顯著成就，推動了「大美術，大視覺」概念下的多元藝術實踐。這次上拍的兩件手繪精美瓷器與兩幅精美畫作，恰似陳逸飛藝術生涯中的璀璨明珠，集中體現了他獨特的藝術語言。其瓷器作品堪稱傳統工藝與西方抽象表現的完美融合，每一處線條、每一抹色彩，都在訴說著跨越時空的藝術對話。水墨女子肖像則以細膩的筆觸勾勒出東方女性獨有的溫婉之美，在黑白的世界裡蘊含無盡的詩意與柔情。
油畫《水鄉瑞雪》，更是以細膩入微的筆觸，將江南雪韻展現得淋漓盡致，每一片雪花、每一處屋瓦、每一道水波，都飽含著畫家對江南水鄉深深的眷戀，體現了中國寫實畫派所追求的詩意境界。
陳逸飛運用細膩到極致的筆觸，捕捉光影在雪、建築和水面上的微妙變化，透過豐富且和諧的色彩層次，營造出一種逼真而又充滿詩意的視覺盛宴。
從學術研究的廣闊視野來看，《水鄉瑞雪》被收錄於《中國寫實畫派二十週年》，此畫冊猶如中國寫實畫派發展歷程的珍貴編年史冊，此外，在 2024 年 12 月 19 日中央美術學院美術館舉辦的中國寫實畫派二十週年展覽中，《水鄉瑞雪》驚艷亮相。此次展覽是對中國寫實畫派二十年發展歷程的全面梳理與深刻回顧，陳逸飛作為中國寫實畫派的重要領導人物之一，他的《水鄉瑞雪》在此展出，不僅是對其個人藝術成就的高度認可，更是對中國寫實畫派發展的有力推動。
陳逸飛的《水鄉瑞雪》憑藉其精湛絕倫的技法、深厚濃鬱的文化內涵以及別具一格的藝術風格，當之無愧地成為中國寫實畫派中的經典之作。
如今，雖然陳逸飛先生已離開我們，但他留下的藝術精神與眾多作品，如同永不熄滅的燈塔，永遠閃耀在藝術的浩瀚長河中。
陳家泠，1937 年生於浙江杭州，是中國當代極具影響力的畫家，在海派繪畫的傳承與創新中佔據重要地位。畢業於浙江美術學院（今中國美術學院），師從潘天壽、陸維鑷等藝術大師，其藝術創作融合了傳統水墨的韻味與現代繪畫的構成意識，開創了獨樹一幟的藝術風格，成為中國當代水墨畫革新的重要代表人物之一。 《江南好》作為陳家泠的代表性作品之一，畫面以西湖為主題，縱向留白如水穿畫而過，一條橫向河堤將畫面分為上下結構，小橋橫臥連接東西兩岸，虛實之間自成空間秩序。河堤上，一排藍綠色柳樹隨風搖曳，輕盈而富有節奏；畫面下方以粉藍交錯的荷葉鋪陳出灩水面，與畫面上方的青翠疊山相呼應。兩隻丹頂鶴翱翔於雲空，寓意祥瑞清雅。 整幅畫充分體現了陳家泠 「水墨彩化」 的藝術概念 —— 墨中有色、色中有韻，柔和卻不失力量。他打破了傳統水墨對色彩運用的限制，將豐富的色彩融入水墨之中，使畫面既保持了傳統水墨的筆墨韻味，又增添了現代繪畫的視覺衝擊力。留白的巧妙安排為空間帶來呼吸感，使得整體構圖充滿詩意與裝飾性，這種將傳統意境與現代構成完美結合的創作手法，體現出藝術家對江南自然風物與人文氣韻的深刻理解與靈動表達。
李山，1942年出生於黑龍江，1968年畢業於上海戲劇學院，並長期紮根上海進行藝術創作，在當代藝術領域中，始終以開拓者的姿態不斷探索藝術邊界。其創作於 2016 年的《胭脂系列 罌粟花開》的油畫作品，作為其藝術生涯中 “胭脂” 系列的重要作品，該畫作曾亮相於 2022 年《生命在場》上海當代藝術展，且直接來自藝術家本人，兼具藝術價值與收藏價值。
李山的藝術歷程充滿了突破與革新。 20 世紀 70 年代末，他便率先踏上抽象繪畫的實驗征程;憑藉政治波普風格作品聲名遠揚;到了 90 年代初，更是以前衛者的姿態投身生物藝術領域。1993 年堪稱李山藝術生涯的重大轉捩點，這一年他參加了威尼斯雙年展，隨著 DNA 的發現，克隆技術與基因工程興起，人類已經能夠觸及並改寫生命的基本單位 —— 基因。這一科學領域的重大進展，讓李山敏銳地意識到，藝術創作中對生命的探討不能再僅僅停留在哲學思辨與詩意表達的層面。藝術家們必須直面並思考未來生命形態這一無法迴避的重要課題。受此啟發，李山開始思索 “生命本身是否能夠成為藝術創作的材料”，這一思考成為他邁向生物藝術創作的重要起點。《胭脂系列 罌粟花開》正是他在生物藝術領域探索的珍貴成果，充分展現出他在藝術語言和創作理念上的持續深耕與創新。
在這幅 50×40 公分的油畫作品中，紫色花瓣在亞麻布上肆意舒展，畫面中形態獨特的植物，其扭曲的莖幹充滿張力，頂端綻放的花朵呈現出紫色與黃色交織的絢爛色彩。背景以藍色調的天空、遠山和水域為主，簡潔且富有層次感，與前景花朵形成鮮明對比，不僅突出了花朵的形態，更營造出一種寧靜與生命活力並存的獨特氛圍。從中，觀者能深切感受到李山對色彩與構圖的精妙把控，以及他試圖透過畫面傳遞出的生命特質。對西藏而言，收藏《胭脂系列 罌粟花開》，不僅是將一件極具藝術價值的珍品納入囊中，更是收藏了李山藝術探索歷程中的重要見證。
作為橫跨兩岸三地的藝術家，夏陽 (1932- )以貫穿八十餘載的人生軌跡始終與文化遷徙緊密相連。這位生於湖南湘鄉的藝術家， 1949 年赴台後，他在台灣現代藝術運動中扮演先鋒角色;1960 年代旅居巴黎、紐約期間，完成了東西方藝術語言的深度融合，其作品被紐約古根海姆博物館等機構收藏，奠定了 “全球視野下東方藝術家” 的典範地位。
而 2002 年的定居上海，標誌著他從國際漂泊轉向對故土文化的深度回歸 —— 此時的上海正處於全球化與本土文化碰撞的前沿，為其 “以東方哲思解構西方形式” 的創作理念提供了豐沃土壤。
這項選擇在其藝術實踐中留下深刻印記：2004 年創作的《信用村》即源自上海周邊的江南寫生，畫面中傳統民居與現代藝術符號的交織，正是他定居上海後對地域文化與全球化議題的思考具象化。此後，他的藝術活動經常與上海發生關聯，如 2019 年龍美術館回顧展、2022 年與丁立人的雙人展，以及 2025 年向上海當代藝術博物館捐贈 130 件作品等，均印證了上海作為其晚年藝術實踐中心的地位。正如他在上海工作室門聯中所寫：“幼離金陵，避東寇烽煙…… 復危登寶島，海外浪跡，數七十年生涯，大抵是強吞苦果”，定居上海不僅是地理回歸，更是文化身份的終極確認。
弗里德里希·艾因霍夫（1936-2018 ）是當代德國最著名的表現主義藝術家之一，被稱為「將漢堡置於德國藝術地圖上的人」及「流派之間的流浪者」。在 1980 年代德國新表現主義(Neue Wilde)浪潮中，艾因霍夫是少數拒絕宏大歷史敘事的藝術家。
當基弗以廢墟隱喻德國歷史、巴塞利茨以倒置肖像挑戰視覺權威時，他轉而聚焦微觀人性的 「創傷考古」。這種創作取向使他成為流派中的 “異質者”—— 他提出的 “對立世界”(Gegenwelten)哲學，將表現主義從對外在現實的扭曲轉化為對人類 “隱性精神” 的勘探，人物形象的 “靜物化” 與 “殘缺美學”，打破了表現主義傳統中 “情感性宣洩” 的單一模式，建立起 創傷性的本質“創傷性表現主義” 的單一模式，建立 創傷性表現主義。
藝術史學家沃納・霍夫曼曾評論：“他用畫布搭建的人性實驗室，讓表現主義從社會批判轉向了存在主義的自我解剖。”
他延續了德國表現主義對 “精神真實” 的追求，作品中人物的異化形態與恩斯特・路德維希・基希納(Ernst Ludwig Kirchner)筆下扭曲的城市人共享著對現代性焦慮的表達，但艾因霍夫將這種焦慮從社會批判轉向了生命本體論 —— 童年經歷賦予的更多人物 “病床” 「被疾病囚禁的靈魂」(如《無題》系列中殘缺的軀體)。他的材料實驗打破了繪畫與雕塑的媒介界限，砂粒與泥土的厚塗質感接近安塞爾姆・基弗的 “物質繪畫”，而 “考古式修復” 的創作邏輯則與達明安・赫斯特 “創傷美學” 形成跨時空呼應。這種跨流派的融合能力，使他被稱為 “流派間的流浪者”，其藝術實踐為表現主義在新時代的轉型提供了重要參考。
在近年的藝術市場上，艾因霍夫作品價格穩步上升，一些尺寸適中、保存良好且具有典型風格的作品，在拍賣中成交價屢創新高，吸引了越來越多藏家參與競標。其作品的市場受眾逐漸清晰，主要包括關注藝術史發展脈絡、對錶現主義藝術有深入研究的學術型藏家，以及追求作品獨特性、精神深度的高端藝術收藏群體。
李禹煥（1936-），韓國極簡主義畫家，雕塑家與學者，生於韓國鹹安郡，自幼深受東方傳統思想的薰陶，1956年移居日本。單筆觸畫令他在物派運動中聲名鵲起，到了七十年代，他用鋼板和橡膠薄片等工業材料以及石頭等天然物料創作雕塑。
身為日本物派運動核心人物，李禹煥 1979 年創作的《From line No.790125》以布面礦物顏料構建極簡垂直線條，透過顏料在重力作用下自然滲透的 「觸碰」 式創作，將宋代米芾 「墨戲」 傳統與工業規的理性秩序融合。畫面中，亞麻布肌理與礦物顆粒的結晶反光形成微觀山水意境，四分之三的 “餘白” 呼應莊子 “虛室生白” 的哲學，以極簡形式完成東方美學的當代轉譯。
作品所屬的 「From line」 系列以編號系統作為觀念藝術宣言，將創作轉化為生命痕跡記錄。在 1979 年日本經濟泡沫前夕，李禹煥以返璞歸真的語言對抗物慾文明，其線條非蒙德里安式的理性分割，而是呼吸的具象化，與八大山人 “墨點無多淚點多” 的精神共鳴，使繪畫成為修行道場。這種融合東方文脈與現代性的實踐，被視為堪比趙無極在抽象表現主義中的文化突圍。
近年來 “From line” 系列在二級市場表現堅挺，印證學術界對其 “新東方主義” 體系的重估。更重要的是，作品重建了數位時代的觀看倫理 —— 當礦物顏料與麻布的物質性與精神哲思碰撞，那道穿越時空的垂直線條，以原始能量叩擊觀者心中的宇宙回音壁，彰顯物質與精神相遇時的永恆震撼。
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