英國當代女性藝術家安妮莫里斯（Annie Morris）的藝術真誠、純粹，既讓孩子為之雀躍，又深受藏家歡迎。展覽對她來說就像一個家，她將搖搖欲墜的「石頭」推疊成塔，用色彩連結彼此。我們來到她在上海復星藝術中心的中國首次個展“一線之望”， 與她談論創作的歷程，感受希望的厚度。

安妮·莫里斯（Annie Morris）1978年生於倫敦，目前生活與工作於倫敦。她曾在巴黎國立高等美術學院師從朱塞佩·佩諾內（Giuseppe Penone ，1997-2001），2003年畢業於倫敦斯萊德美術學院。莫里斯的作品被路易威登基金會（巴黎）、愛茉莉太平洋藝術博物館（首爾）和克利翁酒店（巴黎）等收藏。 2021年，莫里斯為倫敦克拉里奇酒店（Claridge's Hotel）推出的「The Painter's Room 畫室」創作了一幅場域特定的彩色玻璃作品。

2012年在一次不幸的流產經歷後，Annie當時被告知可能以後都無法再懷孕，沉浸在悲傷情緒中的她開始不斷拼貼這些卵形圖案，它們既指代卵子，也像懷孕時膨脹的肚子。

初見藝術家安妮莫里斯（Annie Morris）的作品，是童話般的夢幻感，然而她許多標誌性作品其實都來自生命中的極度的悲傷、絕望和焦慮的時刻，例如球體雕塑“堆疊”系列（Stacks）就源自於她曾因流產「失去的形狀」。此次展覽包含一件高達5.3公尺的「堆疊」雕塑，是藝術家迄今最高的創作。不規則的球體彷彿被透明的細線牽制，隨時都有坍塌的危險，維持著微妙的平衡。

Annie喜歡詩歌，喜歡將抽象與具象的表達模糊在一起，展覽標題「一線之望」(Hope from a Thin Line)便出自一首她喜歡的詩。線，可以是抽象的，如下墜時想抓住的支撐。它也可以是具象的，如Annie在靈感的伴隨下無意識畫出的線條。

三樓展廳Annie為複星藝術中心所製作的場域特定壁畫所在的空間。

走廊上的壁畫作品一角與展覽廳內的雕塑和壁畫形成呼應風景。其中，「花女」（Flower Woman）是一個反覆出現的主題，這是一個臉部被描繪為花朵的女人，也是藝術家的複合肖像。

走廊一角的刺繡扶手椅作品。

“我所有創作都是以繪畫開始的。正因為源自悲傷，所以才朝向希望。”

在Annie最迷茫困難的時期，畫畫對她來說是極為療癒的。 Annie的畫作中常出現一些來自童年記憶的重複元素，尤其是那些令她不安、難以深入談論的部分，例如幼年好友的離世，父母的離婚。

「在我還小的時候，我最好的朋友去世了。那天，一隻鳥兒飛進了我的房間，就像朋友靈魂的化身。從那時起我的畫裡就經常出現鳥的形象。 「三樓展廳內，有她為此次展覽特別創作的塗鴉式壁畫，其它作品則像是從牆壁中走出，展廳成為向觀眾打開的立體速寫本。

「花女」的形像也將體現在莫里斯創作於2018年與2023年的兩件群青藍、鎘紅人形等比例鋼製雕塑，由素描中的激昂線條所構成。

綠松石色的《人物》鋼製雕塑作品，創作於2023年。

「花女」的形象原本來自悲傷的母親，她的身邊總是伴隨著一隻狐狸，長長的嘴像剪刀，似乎隨時都能威脅到脆弱的花朵。 Annie說這個形象來自於她的父親。後來她更多地在「花女」中看到自己，「脆弱易逝的花瓣讓人想到短暫的美麗。就像關於女性的討論常與時間、年齡有關，但同時女性也是堅定的、豐滿多面的。

“我想讓觀眾走進我的思緒。我希望在中國第一次個人展出中呈現創作的不同方面。”

這些回憶也有歡樂幸福的時刻，它們交織一起，從一根原子筆畫出的線，到被絲線縫製，再以鐵藝雕塑的形式重現，Annie賦予線條不同厚度與質感，既是失去的紀念，也是希望的象徵。而我們順著自己觀看的 “線”，穿過間隙，起起伏伏中將藝術家的創作和經歷串聯，回望希望的起點。

Annie Morris站在「堆疊」雕塑作品前仰望。

球體表面的顆粒猶如寶石，展現出宛若初生的新鮮色彩，「就像它們還待在顏料罐裡一樣」。它們來自莫里斯發明的一種能夠使色澤保鮮的獨特技術，雕塑表面每一層顆粒的堆積都是一次顏料的層疊。

圖中右側為此次展覽最高的「堆疊」雕塑，高達5.3米，在藝術家眼中代表了母親的形象。

展覽有兩層，三樓展廳著重繪畫與私密的經歷，二樓展廳則較注重雕塑與色彩的探索。 「堆疊」的雕塑森林最令人印象深刻。 Annie對材質的探索慾和喜悅，很單純也很直接，所以人們可以輕鬆從中找到共鳴。

這些雕塑在孩子眼中可能充滿活力，就像彩色的松露巧克力、冰淇凌球塔。有人則會注重雕塑表面細節，粉狀肌理看起來十分脆弱，原始易碎，與其不穩定的結構相合，激發深層聯想。還有人在觀看的過程中重拾創作欲，與小時候玩泥巴、創意手工的記憶重疊。

圖中左側為藝術家之前在中國旅行參觀了紫禁城後，被那裡的紅色的豐富所感動，從而製作的小小紅色作品。這件作品在最大的雕塑旁形成有趣的視覺反差對比。

藝術家喜歡將不同尺寸的作品並置，互相對話的微小的雕塑像展廳中的「嬰兒」。

“對我來說，最有趣的事情就是找到雕塑和繪畫之間的空間。”

Annie稱「堆疊」系列為「雕塑性繪畫」。當她還是學生時，就對顏料的色彩搭配和質地非常著迷，「我會將顏料拋在畫布上，在表面划痕，我喜歡顏料沒有乾透時的樣子，並試圖找到一種能保存這種質感的方法。過程中可能會把工作室弄得一團糟，也會花很多時間，但每一次嘗試都讓她感受到希望。

進入展覽前，建築外還可以看到一件大型青銅「堆疊」雕塑作品。當問及材質轉變，Annie的回答也同樣簡單明了：「因為我希望繼續在戶外看到這種色彩。」在製作時，她用不同的彩色蠟覆蓋在顏料上，透過火燒進青銅，形成一種黏土質感的表面，讓堅固的材料具備脆弱感，讓複雜的工藝看起來原始。

藝術家一直在探索介於繪畫和雕塑的中間地帶。 「堆疊」系列不僅是療癒手段，更是主動探索創造力的無限種可能。

在圖騰式的構圖中，不規則的球體呈現出鮮豔變幻的色彩－薰衣草色、牛血紅色、赭石色、紫羅蘭色。看似堅固的彩色雕塑由輕盈的泡沫雕刻而成，傳達毋庸置疑的能量。

如同擁有「絕對音感」的音樂家，Annie好像擁有絕對「色感」與「質感」。當初她開始強迫症式地用絲線縫製自己的繪畫，是出於緩解傷痛，但對空間的厚度，對顏色和材料的執著才是正真驅動她的內因。同樣，掛毯系列作品是另一種遊走在繪畫與雕塑之間的嘗試。絲線最終能呈現粉彩、蠟筆或炭筆的質感。本無生命的元素，隨著時間推移，即使在相同的過程中，也能誕生各式各樣的變化，彷彿活了過來。

Annie一直都很喜歡這種模糊平面與立體，模糊不同材質界線的過程。無論是透過讓作品變“厚”，還是變得更“彩”，或是變得複雜，擁有難以單一複製的質感，她都在本能地追求一種能承載更多能量的方式，追求一種力量與強度。

作品《紅色之路》，從創傷中衍生出來的「線畫」作品，充滿重複的執念，有著非常脆弱的結構，卻又緊緊地連結在一起。

「展覽完成後就像一個家。我為高挑的空間創作了一件巨大的作品，對我來說，它像母親一樣俯瞰著空間內其它作品。每一種存在都有自己的聲音，彼此相連。溫馨的畫面對比曾經經歷過的種種，令人動容。長久以來伴隨Annie的，其實還有一位隱形、卻又無所不在的「家人」──色彩。

“我總是將顏色視為充滿希望的元素，它們讓我回想起生活中有所改變的時刻。”

展覽開始時的作品《月亮與女人》，是Annie在倫敦製作的掛毯作品。透過在一幅水彩玻璃風格的素描畫上縫製，讓其變為一件具有輕微雕塑性的作品。

水彩只需要很短的時間繪畫，縫製使工作變得極其耗時，但賦予平面繪畫一種三維感，帶來新的能量。

“堆疊”雕塑局部細節。藝術家透過思考材料、空間、色彩之間的有趣聯繫，讓作品變得充滿樂觀和喜悅。

當許多人遭遇焦慮或憂鬱，會與明亮的色彩產生格格不入的疏離感，反而傾向靠近黑白或暗色，但即使在Annie最痛苦的時期，顏色也從未灰暗過。它們不會離開，永遠振奮人心。她尤其喜歡靛藍、綠松石、錳紫色、紅色、黃色，越焦慮悲傷，越會將自己沉浸在色彩中，找到安慰與快樂。

Annie曾說過她特別喜歡逛畫材店。拉開一排排抽屜，看到不同顏料整齊排列，是很療癒的事，讓她瞬間想到無數種顏色的可能性。在創作中，她也喜歡將多種顏色與材質混合排列，當顏色以如此強烈的方式濃縮後，會堆積一種突破束縛的新力量，讓她感到身體變輕，與色彩自由地融為一體。

藝術家製作了還原自己工作室置物架的裝置作品，前面是她創作於2012年的作品《工作室人物》，由她工作室的牆磚構成，現在無論到哪裡，這件作品都會跟隨，見證每一次變化。

對藝術家來說，線條可以推動繪畫線條的能量，保持作品的力量。線的概念也逐漸變得抽象，成為希望的象徵。

“我的世界，始終被色彩所環繞。”

她想要毫​​無保留把這種狀態，以及她工作室的氛圍帶來這場展覽。在她的工作室裡，每種顏色、完成的或未完成的作品都有意義，它們互相交談，見證創造者生活中的改變，始終陪伴。

色彩也因此成為展覽另一條觀看的線索，作品間對應的顏色，讓眼睛獲得飛翔的速度，讓觀眾得以理解作品之間的連結。這些由不同顏色延伸出去的動線，曾經幫助Annie從糟糕的狀態中解脫，也曾順著材質不斷突破單一維度，向更廣的空間蔓延。就像她越堆越高的雕塑，色彩在數不清的重複中緩慢累積厚度與高度，再連結到需要它們的人。

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