展覽 | 王茜瑤個展“Allongé– 觸不可及”貝浩登首爾開幕 展期至8月19日
貝浩登島山公園空間欣然呈現駐柏林畫家王茜瑤的個展“Allongé– 觸不可及”。這位出生於中國的藝術家以其充滿活力、意蘊廣闊的特質賦予作品一種可感知的存在，或者說是通過高度有形的繪畫過程產生了感性影響，其中，大膽的姿態在廣闊的留白空間中找到表達的形式。是次與貝浩登的第二次合作中，王茜瑤進一步拓展了她對主體性表達的持續探究，大尺幅的抽像作品揭示了時間性和流動性、形式與虛無、物質與精神等概念。 她的繪畫展示了一種極簡的藝術標識，源自藝術家對潛意識空間意識的內省性探索，並透過跨文化成長經歷的視角融合感觀現象、空間意識和哲學闡釋。
在王茜瑤的畫布中，木炭條與彩色油畫筆的點綴呈現出一種簡約的視覺語彙，將空白空間幻化為不可磨滅的構圖元素，並賦予她的作品某種動態的平衡。 這些引人注目的、源於身體體驗的視覺表現呼應了藝術家自身的芭蕾舞學習實踐，芭蕾舞是一種嚴謹的訓練，它要求舞者控制身體的能量，以及熟記複雜而高體力需求的編舞的每個動作。
芭蕾舞訓練過程中經常聽到的指令之一是“allongé”，這是一個法語術語，提醒舞者在動作開始或結束時通過伸展手臂，專注於其身體所創造的線條連貫性，從而使身體更加延展。在這個意義上，“allongé”是一種將舞者的呼吸、身體張力和精神專注完全整合在一起的中心機制，無論是在準備階段，將舞者的能量引導至最佳狀態以完成規定動作，還是在完成動作時幫助他們保持身體和精神強度，直到動作完全結束。
對於王茜瑤來說，“allongé”是某種可以在手接觸畫布之前喚起認知平靜的梵咒。在繪畫之前的這個關鍵間隙與創作標識本身同等重要，正是在這短暫的片刻，藝術家頭腦中的感官衝動達到了最充分的延伸。只有到達這一狀態後，她才開始用粗闊的筆觸和濃縮的散點塗畫將這些轉瞬即逝的感覺印刻在畫幅上。這種轉化的清晰和精確度對於實現作品的完整性至關重要，每一筆線條的質量和特徵亦是如此。通過在這些手繪姿勢的結尾處召喚另一個“allongé”，王茜瑤將每一筆的動勢延伸至畫筆以外，從而確保每一個抽象標識都完美凝結了她的全部創作意圖。雖然這種繪畫方法表現出一定的自發性，但它絕不是即興創作——她在畫布前的創作總是經過深思熟慮的，每一個決策都旨在提升線條的表現潛力。
除了對王茜瑤的繪畫實踐至關重要的即時敏感性之外，“allongé”在更多的背景下起著作用，與它在芭蕾舞表演中作為一種將舞者的動作與其他舞者協調的手段的運用相一致，無論是處於群舞中還是與伴舞搭檔並肩站立，在不直接看向其他演員的情況下，舞者必須激活一種高度的意識狀態，以感知彼此微妙的“allongé”。這種潛意識的本體感覺使優秀的舞者能夠在執行優雅而艱難的編舞時完美地同步移動。因此，“allongé”被理解為一種通過將自己與所佔據的空間相融合來將身體延伸到周圍環境的手段，通過將自身同化到它所在的、尚未實現的運動空間和視覺空白，使人物顯示更為強烈的存在。 這種對空白空間的敏感也體現在王茜瑤的新作中，其中大部分畫布被特意留白，而她的每一條獨特筆觸、曲線和墨跡都呈現出創作中的決斷。
現當代藝術家創作了眾多表現這種虛無感的作品，其中王茜瑤將賽·托姆布雷 (Cy Twombly) 視為對她的藝術實踐發展產生重大影響的人物，她在這位美國畫家身上找到了一種心靈相通。托姆布雷的書法般的旋轉和隨性的塗鴉重新定義了二十世紀中期抽象表現主義的語彙。無論兩位藝術家創作輸出中的姿態偏好如何，他們對留白空間的崇敬是相通的——不是作為空白的表面或感知的空缺，而是將其視為在他們繪畫的極簡主義環境中一種實質性的物質。正是這種對空白空間的敬仰，使得他們的藝術實踐通過繪畫效果的辯證聯繫在一起。事實上，瀰漫在托姆布雷的《Olympia》（奧林匹亞）（1957）和王茜瑤的《Allongé no. 1》(2023) 中的即時性既源於每位藝術家對標識創作方法的克制，也源於他們渲染延伸至空白畫面中寥寥筆觸的力度和動勢。 這種即時性並不是以可辨識的符號形式表現出來的一種理智構造，而是作為一種具身的感覺，取代了意識，在面對繪畫作為一種事件時產生更加本能和模糊的反應。通過將畫布視作經驗領域，而非可量化意義的容器，我們使自己敞開了對於感知的門戶，將空白空間視為一個引入認知之外非人類宇宙的感知通道。
直到20世紀80年代，對情感的哲學概念在西方還相對晦澀，但在中國文化思想中，自我與宇宙之間相互滲透的辯證法早已作為核心理念存在，這一思想深受古代道家宇宙觀的影響。道家思想在兩千多年前老子的《道德經》中得到正式闡述，它認為現實和虛無是不可分割的對立物，共同構成了宇宙之流——即所謂的“道”，並且內化於無論是有形還是無形、有限還是無限的萬物之中。從傳統水墨畫等文化實踐開始，這種關於人類經驗的非二元觀念已經滲透到中國社會的方方面面。藝術家們歷來將道家關於存在與不存在的二元概念推而廣之，認為任何對可見世界的繪畫再現都必須包括其無形的反面——即無形的虛空。正是通過這樣的思考，早在唐代早期，“留白”的概念即成為主導思想在畫家中盛行起來，成為中國藝術的一個典型元素，並隨後發展成過去1000年來中國美學最最具辨識度的特徵之一。
王茜瑤在中國重慶長大，受到同是畫家的父親的影響，她接觸到了各式中西方藝術作品。正是在孩童時期，她在父親購買的展覽圖錄和藝術專著中看到了傳統中國山水畫中的“留白”，儘管直到很多年後她才理解其中的哲學含義。從四歲起，王茜瑤就經常坐在這些書前嘗試臨摹她所看到的圖像，逐漸自學繪畫的基礎知識和技法，例如中國風景畫中與自然景觀形成結構對照的留白。然而，直到青少年時期進入藝術學院，王茜瑤才清楚這一原則的道家本源。 儘管王茜瑤的藝術愛好最終推動她的繪畫實踐走向抽象，但對“留白”的理解仍然潛存在她的意識中，直到她作為一名研究生開始更詳細地探索賽·托姆布雷的繪畫時，她對空白不僅是未上色的畫布的潛在意識突然被喚醒。
關於“留白”的意識與王茜瑤同期進行的芭蕾舞訓練相吻合，可能是她在自己的繪畫實踐中採用“allongé”的原因，並引發了對定義她作品的物質主體性的更深刻的探索。作為一種完全屬於空間體驗領域的身體感覺和認知狀態，“allongé”永遠無法完全被語言所概述，繪畫的情感也無法通過其他方式來趨近，除非直接觀看這種充滿本能力量的作品。王茜瑤將她的感性線條以充沛地活力傾瀉於空間感知之中，使觀者能夠擁抱難以捉摸的事物，並將意識擴展到純粹理性或經驗性結論之外。這種在客觀範疇中無法定位或量化的追求，賦予了她的作品震懾人心的力量和獨特存在感。王茜瑤邀請我們從道的非二元性出發，共同經歷一種遭遇，我們內在的物質與周遭環境在相互反應的同時，與藝術家的創作意圖、繪畫動勢、以及我們自身難以言說的共鳴體驗一起，參與一場情感流動的時空之舞。
展覽現場
關於藝術家
這位居住在柏林的中國藝術家慣於創作大尺幅的沉浸式繪畫，以動勢線條喚起對景觀、身體、動作和思想的共鳴。她的種混合抽象繪畫融合包括道教和後結構主義、中國古代繪畫傳統、人體、舞蹈、武術和西方藝術史等多種影響和靈感。王茜瑤的繪畫憑藉對內心視角和身體感知來審視自身的東西方生存情境。
她的個展包括：國王畫廊（König Galerie），柏林（2023）；MASSIMODECARLO畫廊，倫敦（2023）；貝浩登，巴黎（2022）；阿恩特典藏 (Arndt Collection)，尚克岬（2022）；戈伯斯托弗美術代理（Gerber Stauffer Fine Arts），蘇黎世（2021）；千高原畫廊，成都（2021）；和索伊卡皮坦畫廊 （Soy Capitàn Gallery），柏林（2019）。她的作品曾參加的群展有：震旦美術館，上海（2022）；久事美術館，上海（2022）；當代唐人藝術中心，首爾（2022）；和斯賓納佩內藝術中心（Spinnerei），萊比錫（2020）。
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