豪瑟沃斯聯合總裁伊凡沃斯（Iwan Wirth）、曼努埃拉沃斯（Manuela Wirth）與馬克佩約特（Marc Payot）宣布，將以平等的合作夥伴關係，與紐約妮古拉·瓦塞爾畫廊（Nicola Vassell Gallery）共同代理藝術家烏曼（Uman）。

烏曼是一名畫家和雕塑家，生於索馬利亞，現居紐約。在合作代理烏曼的過程中，豪瑟沃斯與妮古拉·瓦塞爾希望在不同規模的畫廊間建立起新的聯盟模式，透過高度透明和資源共享，助力藝術家的事業進步，更為畫廊生態的健康未來做出貢獻。

妮古拉·瓦塞爾和豪瑟沃斯都將在本週的巴塞爾藝術展邁阿密海灘展會上呈現烏曼的新作。而為烏曼首次合辦的展覽將於1月30日在豪瑟沃斯倫敦空間舉辦，展期至4月1日。 

2025年10月，烏曼將於康乃狄克州奧爾德里奇當代藝術博物館（Aldrich Contemporary Art Museum）舉辦首次在美國博物館的個展，展覽由艾米·史密斯-斯圖爾特（Amy Smith-Stewart）策展。

烏曼熱情洋溢的視覺語言反映了其廣泛的跨文化經驗。她出生在索馬利亞，長在肯亞，青少年時移居丹麥，成年後又搬到紐約。烏曼如今在紐約上州生活和工作，她筆下的世界細節生動、色彩豐富，充斥著手勢、幾何圖形和崇高的意境。她主要以油彩創作，也結合壓克力顏料、油畫棒和拼貼技巧。作為一名直覺敏銳的藝術家和求知若渴的自學者，烏曼在追憶東非童年和傳統阿拉伯書法的嚴格教育、深入探索夢境和痴迷於眼花繚亂的色彩和設計中汲取靈感。她的繪畫涉及自畫像和虛構地貌，靈活地遊走於物理與精神之間，同時將抽象與具象、冥想式樣與敬畏自然緊密結合。

「我們歡迎烏曼加入豪瑟沃斯，也很高興能與妮古拉·瓦塞爾畫廊建立新的合作夥伴關係，將藝術家的作品帶給更廣泛的觀眾。透過熱情洋溢的繪畫和雕塑，烏曼創造了一種視覺語言，讓純粹的愉悅邀請我們去質疑所見、所以為的事物，去意識到傳統的邊界和預設都是阻礙我們充分體驗世界的幻覺。她的作品融合了幻想的景觀元素、抽象的符號圖案與充滿隱喻的自畫像，與我們畫廊許多無論同輩還是前輩藝術家的作品都產生共鳴。

不但烏曼是豪瑟沃斯的絕佳補充，而且對於畫廊為產業的健康和永續發展，建立代理聯盟的全新倡議來說，妮古拉·瓦塞爾也是理想的首位合作者。妮古拉的價值取向和產業願景與我們完美契合，能與她合作是一種巨大的榮幸。 」

——馬克‧佩約特

豪瑟沃斯總裁

「妮古拉·瓦塞爾畫廊很高興能與豪瑟沃斯建立新的合作夥伴關係，共同代理烏曼。我們共同追求一種創新的合作模式，為藝術家和她的未來實踐助力，同時修正傳統的藝術家成長模式，減少其對畫廊生態系統的不對稱影響。在這一模式中，烏曼得以充分利用兩個畫廊的強項，而我們在建構協同效應的同時，確保了框架的平等，增強了各自的優勢。

烏曼的世界，以及她作品的力量，為這種理念的生根發芽提供了理想的環境。她的無畏、自律和好奇心，還有對冒險、成長和自我反思的渴望，都代表了這次聯盟共享的理念，也為我們指明了方向。豪瑟沃斯是完美而盡責的合作夥伴，能夠與他們共同探索這項開創性的倡議，妮古拉·瓦塞爾畫廊感到非常興奮。 」

——妮古拉·瓦塞爾

妮古拉·瓦塞爾畫廊創始人

關於藝術家

烏曼1980年生於索馬利亞。受索馬利亞內戰影響，她隨家人於1989年搬到肯亞，13歲時遷居丹麥。從小，烏曼就熱愛繪畫，著迷於顏色和插畫。 2000年代，烏曼20 多歲時，她搬到了紐約市。在那裡，她遇到了住在曼哈頓的瑞士精神科醫生安娜蒂娜·米施爾（Annatina Miescher）。米施爾鼓勵她用直覺性的方式繪畫，並成為了她的導師。

2015年，烏曼的首次個展在白柱子空間（White Columns）舉辦，引起了廣泛關注。她的繪畫、雕塑和拼貼作品以顛覆傳統的嶄新方式引用了跨文化、藝術史和紡織品等多種元素。正如詩人和評論家伊爾卡·斯科比（Ilka Scobie）所言，烏曼的作品“體現了一種超越邊界、性別、抽象和具象的流動性。”

烏曼的作品綜合了她身處的不同文化，而她的經歷也滲透進一些反覆出現的主題中，如東非沙漠的動物、索馬利亞手工織物圖案的紋樣、在丹麥時接觸到的北歐環境、曼哈頓的城市景觀，以及紐約上州繁星點點的夜空等。自2020年以來，烏曼往返於奧爾巴尼（Albany）和羅斯布姆（Roseboom）的鄉下，這兩個地方構成了她生活和工作的中心。自然世界繼續透過景觀的物理和心理變化，直接影響她的藝術創作，為她虛構的地形添磚加瓦。

烏曼的藝術實踐中滲透自畫像的要素。她說：「我覺得我現在做的都是不同方式的自畫像。即使是抽象繪畫，帶有神話性質的，也是自畫像。我喜歡戲劇性，所以我把自己畫成有好多眼睛和嘴巴的生物。”這種自傳式的變形呈現在《貴婦烏曼》（Grand Dame Uman，2022）和《穿高跟鞋的地獄》（Hell in Heels，2022）等作品中。 《阿瑪皮亞諾舞曲》（Amapiano Dance，2022-23）則是對南非知名舞曲的視覺召喚，這種音樂備受藝術家的喜愛，畫作因而間接描繪了塑造她的生活和想像的靈感源泉。

烏曼偏愛飽和的顏色，常將明亮的珠寶色調和深色以出其不意的方式結合。她精湛的色彩運用讓過去與現在相互交融。 “它們來自我的過去，”她如此解釋，「我成長在多姿多彩的女性和五彩斑斕的文化中。東非和索馬里人尤其喜愛色彩。在西方生活的我也承襲了這一點，也利用它在我的作品中講述故事。”藝術家的創作過程始於將色彩反覆堆疊，隨後以細微但堅定的手勢把顏料去除。這種方法增強了烏曼作品的物質感。 “我發現畫布本身就很美，”她在談到保留部分畫布、不打底漆的創作方式時說，“它是一種美麗而堅固的材料，只是有時需要參與繪畫。”

除了從記憶和夢境中獲取豐富的圖像外，烏曼還運用幾何圖形、波點和類似菌絲網絡的抽象紋樣。這些圖案與擬人化的元素碰撞，描摹出既有植物特徵又有星際色彩的場景。最近的畫作《薩莫內》（Samone，2023）呈現了錯綜複雜的抽象圖案網格，其中穿插著許多三角形，每個三角形都點綴著一個全視之眼。這些看似自由奔放的華麗記號讓人聯想到烏曼在童年時學習的阿拉伯書法：“我看我自己畫畫、寫字或塗鴉時，總是帶著斜體的感覺，就像伊斯蘭書法一樣。”最終，這些記號融合成烏曼獨特的符號語言。

烏曼曾舉辦過多次個展，包括紐約妮古拉·瓦塞爾畫廊（Nicola Vassell）、雅典Eleni Koroneou畫廊、紐約Fierman 空間、巴黎Anne De Villepoix畫廊和紐約白柱子空間（White Columns）。她的作品也參與過許多群展，如加多倫多阿迦汗博物館（Aga Khan Museum）、舊金山梅森堡教堂（Fort Mason Chapel）For-Site基金會、倫敦當代藝術學院（Institute of Contemporary Arts）、紐約Karma 畫廊和紐約Ramiken Crucible畫廊等。 2022 年，她TRIADIC於阿肯色州本頓維（Bentonville）舉辦的FORMAT 藝術節上成為了 The Cube獎金的首位得主。

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